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국립 한국예술종합대학교 미술원 조형예술과 졸업

학력 

볕뉘(Sunlight falling Through Cracks), Cafe De Gorilla,서울

개인전

제2회 CONNECTED SOUL 展 : Section 2. 고해성사 展

제2회 CONNECTED SOUL 展 Section 1. 어려움의 과정 展

재료의 언어, 마루아트센터 본관 3F 그랜드관, 서울, 대한민국

영등포 여의도 봄꽃축제, 아트큐브(영등포문화재단 공모 선정), 서울, 대한민국

2026새해선물기획전 (아트니스 공모 선정), 온라인 

제33회 대한민국기독교미술대전, 마루아트센터, 인사동, 대한민국

우리의 여름, 더숲아트갤러리, 서울, 대한민국

모두의 미술, 모두의 컬렉션 아트페어, 성신미술관, 서울, 대한민국

아! 미얀마, 갤러리 1898, 서울, 대한민국

아트 팝업 스토어, SJ쿤스트할레, 서울, 대한민국

 제2회 사랑아트 기독미술전, 사랑아트갤러리, 서울, 대한민국

아시아프, 홍익대학교 현대미술관건물, 서울, 대한민국

12월의 크리스마스, 샤빌레, 서울, 대한민국

제8회 한성백제미술대상전, 예송미술관, 서울, 대한민국

!, 계원조형예술대학 갤러리, 경기도, 대한민국

선생님이 그리라고 한 그림, 신한 갤러리, 서울, 대한민국

드로잉 오픈-엔드, 한국예술종합학교 제 2갤러리, 서울, 대한민국

파란 석류, 한국예술종합학교 KNUA 갤러리, 서울, 대한민국

단체전

제33회 대한민국기독교미술대전 입선

부천 온라인 메이커 경진대회 방구석 하이큐 <경기도 군포 반월호수 사계절>

사랑아트 기독미술 공모전 입선, 문화예술사역부 사랑아트갤러리 주최. 사랑의교회 주관

아시아프 아스타 플러스 서양화 작품 발표자 선정 및 발표, 조선일보사, 문화체육관광부 주최

<HYUNDAI Motor-현대모터 매거진> 7월호, 현대자동차(주) 표지 작가 선정

제18회 대한민국 기독교 미술대전 특선, 한국미술인선교회 주최, 대한민국기독교미술대전 운영위원회 주관

제8회 한성백제미술대상전 특선, 송파미술가협회

수상 

우리의 여름, 더숲아트갤러리, 서울 / 개인

모두의 미술, 모두의 컬렉션 아트페어, 성신미술관, 서울 / 개인

아! 미얀마, 갤러리 1898, 서울 / 갤러리 차만

작품 소장 

향설 김현지

향설 김현지(香雪 金炫知)는 선과 점의 반복과 축적을 통해 생명의 에너지와 빛의 흐름을 탐구하는 회화 작가다.

부산에서 성장하며 바라본 바다는 작업의 출발점이 되었다. 끊임없이 밀려왔다 사라지는 파도는 늘 같은 모습처럼 보이지만, 단 한 번도 같은 형태로 존재하지 않는다. 작가는 그 움직임 속에서 생명이 변화하고 성장하는 방식, 그리고 시간의 리듬을 발견했다. 이 경험은 눈에 보이지 않는 생명의 흐름을 화면 위에 기록하고자 하는 작업으로 이어졌다.

작업은 선과 점이라는 가장 작은 조형 요소에서 시작된다. 화면 위에 씨앗을 심듯 선을 긋고 점 하나를 찍을 때마다 화면은 조금씩 자라난다. 선은 시간의 흐름과 움직임을 기록하는 궤적이며, 점은 화면을 구성하는 최소 조형 단위이자, 오늘을 살아내는 생명의 가장 작은 행동이다. 반복되는 선과 점은 서로 관계를 맺으며 리듬을 형성하고, 작은 구조는 화면 전체의 흐름 속에서 자기 유사성을 이루며 하나의 풍경으로 확장된다. 각각의 흔적은 독립적으로 존재하지 않고 서로 영향을 주고받으며, 부분의 축적은 전체의 질서를 만들어 간다.

작업은 수채화 점묘법과 자동기술법을 바탕으로 이루어진다. 화면은 계획된 질서 속에서 시작되지만, 물감은 번지고 스며들며 예상하지 못한 흔적을 남긴다. 작가는 이러한 우연을 제거하기보다 작업의 일부로 받아들이며, 통제와 우연이 공존하는 과정 속에서 화면이 스스로 생성되도록 둔다. 점 하나는 다음 점의 위치와 색에 영향을 주고, 그 관계는 다시 새로운 흐름을 만들어 낸다. 이처럼 화면은 반복과 축적, 관계 속에서 끊임없이 생성되는 하나의 유기적인 구조가 된다.

관객은 작품 앞에서 하나의 이미지만 보는 것이 아니라, 가까이에서는 선과 점이 남긴 미세한 흔적과 시간을 발견하고, 멀어질수록 그것들이 하나의 흐름과 파동으로 연결되는 경험을 하게 된다. 작은 요소들이 서로 관계를 맺으며 전체를 이루는 구조는 관객의 시선 속에서도 반복되며, 회화는 고정된 결과물이 아니라 시간 속에서 지속적으로 생성되는 감각의 공간으로 확장된다.

반복과 축적은 빠르게 생산되고 소비되는 이미지의 시대 속에서 시간의 밀도를 회복하기 위한 나의 회화적 태도다. 나는 완성된 이미지를 제시하기보다, 선과 점이 서로 관계를 맺으며 하나의 흐름을 이루는 과정을 화면에 남기고자 한다. 그 흐름은 생명과 시간이 스스로 모습을 드러내는 풍경이며, 내가 회화를 통해 꾸준히 탐구해 온 세계다.

<그래도 바다는 흐른다 Ⅱ>는 점(點)의 반복과 축적을 통해 삶의 지속성과 회복 가능성을 탐구한 작품이다.

작가에게 점은 화면을 구성하는 최소 조형 단위이자, 오늘을 살아내는 생명의 가장 작은 행동이다. 완벽히 통제된 완성작을 목표로 삼는 대신, 작가는 점 하나를 찍고 그 점이 이끄는 방향을 따라간다. 수채화 점묘법과 자동기술법이 결합된 화면은 우연과 통제가 공존하는 공간이다. 번진 색과 예상치 못한 방향은 때로 처음의 의도를 벗어나지만, 작가는 그 우연을 지우지 않는다. 삶 또한 완벽한 계획보다 예측할 수 없는 과정 속에서 자라나기 때문이다.

이 과정에서 점은 다음 점의 위치와 색에 영향을 주며 선이 되고, 선은 다시 파동이 되어 마침내 풍경을 이룬다. 그 반복은 리듬을 만들고, 흩어진 흔적들은 서로 관계를 맺으며 끝내 바다로 이어진다. 몰입 속에서 우연히 나타나는 형상들은 작가 자신에게도 언제나 낯설고 새로운 세계로 다가온다. 이는 살아 있는 흐름이 스스로 드러낸 풍경이다. 

이러한 작업 방식의 뿌리는 작가의 유년 시절 경험과 맞닿아 있다. 어린 시절 부산에서 만난 바다는 말로 표현할 수 없는 감정까지 품어주는 넓은 세계였다. 끝없이 밀려오는 파도와 수평선 앞에서 작가는 자신 또한 점과 같은 존재임을 깨달았다. 너무 작아 쉽게 사라질 것 같지만, 수많은 점이 모여 바다를 이루듯 작은 순간들은 서로 이어져 삶을 이루어 간다는 것을 알게 되었다. 

화면 위에 찍힌 작은 점들은 단순한 흔적이 아니다. 그것은 오늘도 살아 있음을 증명하는 기록이며, 끝내 바다를 향해 나아가는 삶의 리듬이다.

Still, the Sea Flows II

Still, the Sea Flows II explores the continuity of life and the possibility of renewal through the repetition and accumulation of dots.

For the artist, a dot is not only the smallest formal element that composes the image, but also the smallest act of life that sustains each passing day. Rather than pursuing a perfectly controlled and predetermined image, the artist places a single dot and follows the direction it suggests. Created through a combination of watercolor pointillism and automatism, the painting becomes a space where intention and chance coexist. Colors bleed, unexpected directions emerge, and the image often moves beyond its initial plan. Instead of correcting these accidents, the artist embraces them, believing that life itself grows not through perfect control, but through an unpredictable process.

In this process, each dot influences the position and color of the next, becoming a line; the line expands into a wave, and the wave gradually forms a landscape. Through repetition, a visual rhythm emerges, while scattered traces gradually connect with one another and ultimately lead toward the sea. The forms that appear through deep immersion remain unfamiliar even to the artist, revealing new landscapes that could never have been fully anticipated. They are landscapes disclosed by the living flow of the painting itself.

The roots of this way of working lie in the artist's childhood memories of Busan. The sea she encountered as a child was a vast place capable of embracing emotions beyond words. Standing before the endless horizon and listening to the ceaseless rhythm of the waves, she realized that she, too, was like a single dot. Though seemingly small enough to disappear, countless dots come together to form the sea. In the same way, she came to understand that small moments connect with one another, gradually shaping a life.

For the artist, every dot placed on the surface is more than a simple mark. It is a quiet record that affirms the act of living today, while continuing its journey toward the sea.

그래도 바다는 흐른다 Ⅱ - Still, the Sea Flows II

화면을 가득 채운 블루의 결 사이로 새하얀 빛이 파도처럼 스며든다. 짙은 코발트 블루가 깊은 물의 단면처럼 층층이 쌓여 있고, 그 사이를 가르는 불규칙한 흰 영역은 부서지는 포말이자 물 위로 번져 나오는 햇살의 길처럼 보인다. 위에서 아래로, 또 대각선으로 비스듬히 흘러내리는 곡선들은 한순간 포착된 파도의 형상이면서, 물결 사이로 쏟아져 들어온 빛이 바다의 피부를 따라 번져 가는 움직임을 그려 낸다.

가까이 다가가면 이 파도는 하나의 면이 아니라, 수없이 겹쳐 찍힌 가는 붓 자국들이 만든 결의 집합으로 드러난다. 농도가 다른 블루가 미세하게 방향을 달리하며 이어지고, 좁고 긴 선들이 서로를 따라 흐르며 바다의 층위, 지층의 단면, 몸 안 근섬유의 결을 동시에 떠올리게 한다. 짙게 눌린 부분과 거의 사라질 듯 옅게 스친 부분이 교차하면서, 파도가 깊이 가라앉았다가 다시 치고 올라오는 호흡, 그리고 물결 위로 번져 나오는 빛의 떨림이 화면 전체에 리듬처럼 남는다.

곳곳에서 흰 여백은 단순한 공백이 아니라, 푸른 결 사이로 스며든 햇살이 머무는 자리처럼 보인다. 짙은 블루의 덩어리들이 바다의 심연을 이루고 있다면, 그 사이로 파고드는 흰 영역은 물 위로 떠오른 기억, 감정의 표면에 반짝이는 한순간의 평온에 가깝다. 시선은 자연스럽게 어두운 블루의 골짜기에서 시작해, 그 사이를 가르는 빛의 길을 따라 위로, 옆으로 미끄러지며, 파도와 햇살이 서로를 비추고 지워 가는 과정을 천천히 더듬게 된다.

이 작품 앞에 서 있는 동안, 바다는 더 이상 멀리서 바라보는 풍경이 아니라, 마음 깊은 곳에서 일렁이는 물결 위로 스며드는 한 줄기 빛의 감각으로 다가온다. 격렬한 파동과 잔잔한 여운, 짙은 블루와 눈부신 흰색 사이를 오가다 보면, 어느 순간 이 이미지는 실제 파도가 아니라, 스스로도 모르는 사이 차오른 감정 위로 천천히 내려앉는 햇살의 형상처럼 느껴진다. 관람자는 이 푸른 결과 빛의 틈을 따라가며, 자신의 내면에서 언제, 어디에 빛이 스며들고 있는지 조용히 확인해 보게 된다. (미술 공모전 수상작)

파도에 스며든 햇살 (Sunlight Within the Waves)

[ENG SUB] “은혜의 색은 무엇일까?”
이 질문에서 이 작업은 시작되었다. 작가는 ‘은혜’가 반드시 밝고 환한 순간만을 의미하는지 스스로에게 묻는다. 삶의 굴곡과 상처, 침잠의 시간 역시 결국 하나의 흐름 안에서 의미를 가진다면, 그 또한 은혜의 일부가 아닐까.

화면 중앙에서 몸을 일으키는 거대한 파도는 단일한 푸른색이 아니라, 붉은 대지와 초록의 능선, 보라와 남색의 심연을 함께 끌어안고 있다. 수없이 겹쳐 찍힌 짧은 붓질은 파도의 결이자 땅의 단층, 몸 안을 흐르는 근육의 방향처럼 화면 위에 누적된다. 수평선이나 하늘은 의도적으로 비워 두어, 남아 있는 것은 오직 파도의 곡선과 그 안에 쌓인 색의 층위뿐이다.

파도의 중심에는 붉은 기둥처럼 선 색의 균열이 서 있다. 이는 상처이자 통로이며, 서로 다른 세계가 스며들어 섞이는 자리다. 차갑게 번지는 청록과 코발트가 이 붉은 축을 감싸 안으며, 파괴의 순간 같았던 장면을 천천히 수용과 회복의 움직임으로 전환시킨다.

가까이 다가가면 화면은 물의 번짐이라기보다, 방향을 달리하며 쌓인 선들의 집합으로 보인다. 색이 진하게 눌린 자리와 옅게 스며든 자리가 교차하며, 무너졌다가 다시 일어서는 감정의 호흡을 기록한다. 작품 앞에 서면 관람자의 시선은 파도의 방향을 따라 천천히 회전하며, 바다와 대지, 몸의 내부가 하나의 거대한 흐름으로 겹쳐진다. 이때 ‘은혜’라는 단어는 개념이 아니라, 감각으로 다가온다.

이 작품은 이러한 질문과 색의 실험을 바탕으로 완성되었으며, 2009년 제8회 한성백제미술대상전에서 특선으로 선정되었다.

· 제8회 한성백제미술대상전 특선 (2009)

“What might the color of grace be?”
This question marked the beginning of Grace Water. Rather than defining grace as a purely luminous or celebratory moment, the artist reflects on whether periods of darkness, struggle, and inward descent might also belong to its spectrum.

At the center of the composition, a monumental wave slowly rises. It is not rendered in a single hue of blue, but carries within it layers of red earth, green ridges, and deep purples and indigos. Short, accumulated brushstrokes follow the direction of the wave, echoing geological strata, muscular movement, and the internal rhythms of the body. The horizon and sky are deliberately omitted, leaving only the curve of the wave and the dense chromatic layers that compose it.

A vertical red fissure runs through the core of the wave. It appears at once as a wound and a passage—an opening where different realms converge and intermingle. Cool turquoise and cobalt tones wrap around this axis, gradually transforming what might first seem like a moment of rupture into one of acceptance and recovery.

Up close, the surface reveals itself not as flowing water but as a constellation of directional marks. Dense and diluted areas alternate, recording a rhythm of collapse and resurgence. As the viewer’s gaze follows the movement of the wave, sea, land, and the inner body begin to overlap, merging into a single, expansive flow. In this moment, grace is no longer an abstract idea, but a tangible sensation.

Developed through this sustained inquiry into color and meaning, Grace Water was awarded Special Prize at the 8th Hanseong Baekje Art Awards in 2009.


은혜의 파도(Grace Water)

[ENG SUB] 〈파도 포말〉은 작가가 이후 전개해 나가는 점묘 회화의 출발점에 해당하는 2007년 초기 핵심작이다. 파도의 파동과 흐름이라는 작가 고유의 언어가 하나의 화면으로 응집된 이 작품은, 점을 반복적으로 축적하는 회화적 행위가 본격적으로 의식화되기 시작한 시점을 보여준다.

화면 전반에 분포된 무수한 점들은 형태를 묘사하기 위한 수단이 아니라, 파도의 리듬과 에너지, 그리고 시간의 흐름을 화면 위에 쌓아 올리는 회화적 기록에 가깝다. 자동기술법에 가까운 반복 행위를 통해, 작가는 의도와 통제를 넘어서는 감각의 흐름을 포착하고, 이를 하나의 밀도 높은 장면으로 정착시킨다.

〈파도 포말〉은 이후 점묘적 회화 언어와 ‘흐름’이라는 개념이 확장되는 작업 세계의 기원이 되는 작품으로, 작가 초기 회화 세계의 방향성과 밀도를 가장 선명하게 보여주는 기준작 중 하나로 위치한다.

Wave Foam is a pivotal early work from 2007 that marks the point of departure for the artist’s subsequent pointillist paintings. In this piece, the artist’s language of waves and flow is condensed into a single pictorial field, revealing the moment when the repetitive accumulation of dots became a conscious painterly method.

The countless dots distributed across the surface do not function as descriptive elements, but as a record of rhythm, energy, and the passage of time. Through a process akin to automatism, the artist captures a sensory flow that extends beyond deliberate control, allowing movement and vibration to settle into a dense visual state.

Positioned as an origin point within the artist’s practice, Wave Foam serves as a foundational reference for the later expansion of her point-based language and her ongoing exploration of flow as a sensory and perceptual experience.

파도 포말(Wave Foam)

[ENG SUB] "점과 선, 생명이 흐르고 희망이 이어지다"

점 하나에서 시작된 파동이, 기억과 시간을 지나 바다에 닿는다.

어린 시절, 해운대와 광안리 앞바다가 보이는 부산에서 자랐다. 가족과 함께 자주 찾았던 달맞이 고개 인근의 문학관에서, 책을 읽으며 창 너머로 바라보던 모래사장과 파도, 물결의 기억은 지금까지도 내 안에 선명하게 남아 있다.

바다는 어린 시절의 추억을 품은 동시에 내면세계를 투영하는 매개체다. 끊임없이 밀려오고 흩어지는 파도는 희망과 미래를 향해 열린 마음의 상징이며, 마음속 파도의 이미지와 색감은 화면 위에서 자연스럽게 드러난다.

이러한 바다의 기억은 몇 년 전 여름, 어머니와 함께 떠났던 해금강 풍경과 겹쳐지며 확장되었다.
〈해금강 물마루〉는 그때의 감각을 기억 속 이미지로 형상화한 작품이다.

물방울 하나에서 출발해 냇물과 강을 이루고 마침내 바다에 닿는 이 흐름을, 점 하나에서 시작해 화면 위로 확장해 나갔다. 반복되는 수채화 점묘의 붓질을 통해 생명의 움직임과 시간의 리듬, 물마루 위에 스치는 바람의 감각을 담아냈다.

보이지 않는 감정과 기억의 결을 색과 형으로 치환해 하나의 조형 언어로 풀어내며, 화면 전체에는 음악처럼 리듬감 있게 흐르는 바람과 파도의 율동이 머문다.

본 작품은 작가의 작업 세계를 이해하는 핵심 기준작으로,
이후 연작의 방향성과 조형 언어를 가늠할 수 있는 지점에 위치한다.

이 작품은 2011년 현대자동차 사보 표지로 선정되어 게재된 바 있다.

Dots and Lines—Where Life Flows and Hope Continues

A wave that begins from a single dot travels through memory and time, eventually reaching the sea.

I grew up in Busan, with the sea of Haeundae and Gwangalli always within view. As a child, I often visited a small literary museum near Dalmaji Hill with my family. Sitting by the window with a book in hand, I would watch the white shoreline, the waves, and the shifting surface of the water. Those moments remain vivid within me.

The sea holds my childhood memories, while also serving as a medium through which my inner landscape is reflected. Waves that continuously approach and disperse symbolize an open mind moving toward hope and the future. The images and colors of these inner waves naturally emerge on the surface of my paintings.

These memories of the sea expanded a few years ago, overlapping with a summer journey to Haegumgang with my mother. Haegumgang: Water’s Crest gives form to those sensations, transformed into images drawn from memory.

Beginning with a single drop of water that becomes a stream, a river, and eventually reaches the sea, I approached this flow through a single dot—allowing it to expand across the surface. Through repeated, rhythmic gestures of watercolor dotting, I sought to capture the movement of life, the rhythm of time, and the subtle sensation of wind brushing across the water’s crest.

Invisible emotions and the textures of memory are translated into color and form, unfolding into a singular visual language. Across the surface, the rhythm of wind and waves lingers—flowing like music.

This work serves as a key reference point in understanding the artist’s practice, marking a defining moment in the development of her visual language.

In 2011, this work was selected to appear on the cover of Hyundai Motor Company’s corporate magazine.

해금강 물마루(Haegumgang Water Crest)

<공명> 연작은 사라진 존재를 재현하기보다, 그 부재가 남긴 자리를 공간적으로 탐색하는 작업이다. 화면에 비워진 작은 흰 원은 하나의 시작점이자, 존재와 부재가 교차하는 본질적인 자리로 남는다. 층층이 쌓아 올린 푸른 색면은 보호와 순환의 층위를 형성하며, 그 속에서 발생하는 밀도와 공백은 감정의 파동과 축적된 시간을 시각적으로 구조화한다. 이는 대상의 형태를 넘어 내면의 울림이 공간으로 확장되는 과정에 대한 기록이다.

The Resonance series is an exploration of the spatiality left by absence, rather than a representation of what has vanished. The small white circles left empty on the surface serve as a starting point—a fundamental space where presence and absence intersect. Layers of accumulated blue hues form strata of protection and circulation, while the interplay of density and void structurally organizes the waves of emotion and the passage of time. This work is a record of the process in which internal resonance expands into space, transcending the mere form of the object.

공명 I (Resonance I)

<밤의 파동: 한강>은 도시의 밤이 물결 위에 흩뿌리는 불빛을 보석보다 찬란한 '진정한 빛'으로 재해석한 추상 작업이다. 작가는 한강의 야경을 단순히 묘사하기보다, 물빛에 반사되어 반짝이는 빛의 생명력을 포착하기 위해 신체를 극단적인 수행적 도구로 전환한다.

작가는 왼손으로는 물결 위에 부서지는 빛의 파편들을 감각적인 점과 선으로 포착하고, 동시에 오른손으로는 그 빛을 관통하는 견고한 시간의 흐름을 날카로운直线 터치로 교차시킨다. 이 양손 선묘법은 인위적인 통제를 넘어선 신체의 즉각적인 반응이며, 캔버스 위에서 벌어지는 치열한 호흡의 기록이다. 이 촘촘한 빛의 층위는 관객으로 하여금 일상의 풍경에서 발견한 숭고한 빛의 에너지를 신체적으로 체감하게 만든다.

Wave of the Night: Yanghwa is an abstract work that reinterprets the lights scattered by the urban night onto the water as "true light" more brilliant than jewels. Rather than merely depicting the night view of the Han River, the artist transforms the body into an extreme performative tool to capture the vital energy of the light reflecting off the water.

Simultaneously, the artist uses the left hand to capture the fragments of light breaking upon the waves with sensory dots and lines, while the right hand intersects these with sharp, linear touches that pierce through that very light, representing the firm flow of time. This two-handed linearity is an immediate response of the body that transcends artificial control—a record of intense breathing on the canvas. This dense layering of light forces the viewer to physically experience the sublime energy of light discovered within an everyday landscape.

밤의 파동: 한강 (Wave of the Night: Han River)

우리가 서로에게 전하는 온기는 아주 작은 점과 선, 그리고 면처럼 쌓여간다. 그렇게 쌓인 온기는 하나의 빛이 되어 우리를 감싼다. 해바라기처럼 찬란하게 빛나는 털과 따사로운 봄볕을 머금은 공기 속에서 고양이는 고요히 잠들어 있다. 부드러운 잔디 위에 몸을 맡긴 채 그 온기를 느끼며 평안히 숨 쉬고 있다. 이 그림은 그 따뜻한 빛 속에서 머무는 조용한 온기의 순간을 담았다.

나아가 나는 이 작은 생명의 움직임을 따라가는 선들의 일렁임에서 유기적인 흐름을 발견한다. 고양이의 부드러운 털 사이를 흐르는 선들은 그 자체로 하나의 리듬이 되고, 쌓여가는 선의 궤적은 곧 생동하는 에너지의 결이 된다. 이 작업은 정지된 대상 내부에서 끊임없이 움직이는 생명의 감각을 포착하고, 펜 끝의 선들을 통해 그 찰나의 온기를 화면에 정착시키는 과정이다.

The warmth we share accumulates like tiny dots, lines, and planes, eventually becoming a light that embraces us. In the gentle air filled with spring sunlight, a cat rests peacefully, its fur shining brilliantly like a sunflower. Lying on the soft grass and feeling that warmth, it breathes in tranquility. This painting captures a quiet moment of warmth resting within that light.

Furthermore, I discover an organic flow in the swaying of lines that follow the gestures of this small living being. The lines flowing through the soft fur become a rhythm in themselves, and the accumulated trajectory of these lines forms the texture of vibrant energy. This work is a process of capturing the sense of life moving incessantly within a still subject, anchoring that fleeting warmth onto the canvas through the lines from my pen.

온기 2 — 빛 속의 숨결 (Warmth 2 — Breathing in the Light)

손끝이 닿는 순간이 있다. 아무 말도 없는데 이상하게 마음이 놓이는 순간이다. 사람은 사람에게도 다 하지 못한 위로를 때로는 작은 생명에게서 받는다. 따뜻한 체온이 전해질 때, 우리는 서로를 이해하고 있다는 것을 알게 된다. 이 그림은 말 대신 온기로 나누었던 그 순간을 담았다.

작은 생명의 몸을 덮은 털의 흐름을 가만히 응시하다 보면, 그것이 이전에 작업했던 파도의 물결이나 식물의 줄기 같은 자연의 패턴과 닮아있음을 발견한다. 2006년부터 펜 끝으로 촘촘히 쌓아왔던 '선(Line)'들은 이제 고양이의 모질 사이사이에 스며들어 온기를 시각화하는 도구가 됐다. 나에게 이 접촉의 순간은 단순히 대상을 묘사하는 것을 넘어, 선들이 엉키고 설키며 만들어내는 생동하는 에너지의 결을 확인하는 과정이다.

There are moments when fingertips meet—moments when the heart feels inexplicably at ease without a single word. We often find comforts in small living beings that we cannot fully share even with other people. When warmth is gently passed between us, we realize we understand each other. This painting captures those moments shared through warmth instead of words.

As I gaze at the flow of fur covering a small life, I discover its resemblance to the natural patterns—the swell of waves or the stems of plants—that I have previously explored. The 'Lines' I have meticulously layered with a pen since 2006 have now seeped into the texture of the fur, becoming a tool to visualize this warmth. For me, this moment of touch goes beyond merely depicting a subject; it is a process of confirming the vibrant texture of energy created by the intertwining of lines.

온기 1 — 접촉의 순간 (Warmth 1 — The Moment of Touch)

[ENG SUB] 작은 화면 안에 강원도 태백 검룡소의 한 부분이 가까이 당겨져 있다. 물줄기 전체를 보여주기보다, 바위 옆으로 스며드는 물과 그 위를 덮은 나뭇잎, 이끼, 흙의 결에 시선이 머문다. 초록과 갈색의 짧은 점과 얼룩, 겹쳐진 붓질들이 모여 축축한 흙과 이끼 낀 바위, 그리고 그 사이로 번지는 물빛을 동시에 감각하게 만든다. 수채 특유의 번짐과 투명한 겹침은 물이 흐르며 남긴 흔적과 그 위에 쌓인 시간의 층위를 드러낸다.

위쪽에서 화면을 가로지르는 가지와 잎들은 강한 윤곽 대신 빛에 녹아드는 색의 변화로 표현된다. 노랑과 연두, 짙은 초록이 한 잎 안에서 미세하게 갈라지며 숲속 햇살과 그늘의 떨림을 따라간다. 선명한 형태보다 잎과 물, 바위가 서로의 색을 반사하며 섞이는 순간에 집중하면서, 장소의 정확한 형태보다 그곳의 공기와 습도, 냄새에 가까운 감각이 먼저 다가온다.

이 작품에서 검룡소는 웅장한 풍경이 아니라 몸을 낮추어야만 보이는 작은 국면으로 나타난다. 물소리와 바람, 나뭇잎의 그림자가 점과 얼룩으로 환원되며, 관람자는 어느새 화면 속 바위 가장자리에 서서 아래를 내려다보는 위치에 서게 된다.

작가 소장 

A small fragment of Geomryongso in Taebaek, Gangwon-do is drawn close within the frame. Rather than presenting the entire stream, the painting focuses on water seeping beside rocks, covered with leaves, moss, and damp earth. Short touches of green and brown, layered washes, and scattered marks evoke the sensation of wet soil, mossy stone, and the faint shimmer of water moving through them.

The branches and leaves crossing the upper part of the image are suggested through subtle shifts of color rather than firm outlines. Yellow, light green, and deep green divide gently within a single leaf, following the trembling light and shadow of the forest.

Instead of defining the exact form of the place, the painting dwells on the moment when leaves, water, and stone reflect and blend into each other. Geomryongso appears not as a grand landscape, but as an intimate fragment—something seen only when one bends down close to the ground.

Artist’s collection


강원도 태백 검룡소 (Geomryongso, Taebaek, Gangwon-do)

[ENG SUB] 가을빛 단풍이 만들어내는 자연의 리듬을, 작가 고유의 점묘적 조형 언어로 풀어낸 작품이다.
작가는 2007년경부터 빛을 감정과 감각의 상태로 인식하며 점과 색의 관계를 탐구해 왔고, 본 작품은 그러한 조형 언어를 다시 선택해 이어간 작업 중 하나이다.
단풍의 흐름과 호흡은 점의 반복과 밀도를 통해 화면 위에 응축되며, 빛이 색으로 감각화되는 순간이 조용히 드러난다.
2023년에 제작된 이 작품은, 작가의 작업 세계가 지속적으로 축적되고 있음을 보여주는 한 장면이다.

This work interprets the natural rhythm created by autumn maple light through the artist’s distinctive point-based visual language.
Since around 2007, the artist has explored the relationship between dots and color, perceiving light as an emotional and sensory state. This piece is one of the works that revisits and continues that established visual language.
The flow and breathing of autumn foliage are condensed through repeated dots and density, quietly revealing the moment when light becomes color.
Created in 2023, this work represents a moment within the artist’s practice in which her visual language continues to accumulate and deepen.

단풍(Maple)

 〈선유도, 새벽의 빛〉

나는 이미지를 재현하기보다, 이미지가 발생하는 조건을 구축한다. 이 작업은 선유교에서 바라본 일출의 순간을 바탕으로, 반복되는 선의 축적을 통해 시간과 빛의 흐름을 화면 위에 형성한 작품이다.

작업은 왼손으로 형태의 뼈대를 자유롭게 풀어낸 뒤, 오른손으로 동일한 선을 수없이 반복해 밀도를 쌓아가는 방식으로 이루어진다. 이 과정에서 화면은 하나의 형상을 재현하기보다, 서로 다른 밀도의 층위를 지닌 구조로 확장된다. 가까이에서는 추상적인 선의 패턴으로, 멀리에서는 빛과 풍경의 흐름으로 인지되며, 관객은 자신의 기억과 감각을 투사해 이미지를 완성하게 된다.

볼펜은 수정이 불가능한 재료다. 지울 수 없는 선을 한 줄씩 쌓아 올리는 과정은 선택과 시간, 그리고 신체의 움직임이 축적되는 수행의 기록이 된다. 7개월에 걸쳐 완성된 이 작품은 단순한 풍경의 재현이 아니라, 반복된 행위를 통해 축적된 시간이 화면 위에 남긴 흔적이다.

나의 작업은 보이는 풍경을 제시하는 것이 아니라, 관객이 자신의 감각 속에서 새로운 풍경을 발견하도록 열어두는 데 목적이 있다. 화면 위에 축적된 선들은 신체가 지나온 시간을 담고 있으며, 그 시간은 관객의 상상과 만나 또 다른 이미지로 이어진다.

이 작업 방식은 장시간 반복되는 신체적 수행을 전제로 한다. 따라서 동일한 방식의 대형 볼펜 작업은 현재 내 작업 안에서도 쉽게 반복하기 어려운 하나의 이정표로 남아 있다.

 Seonyudo, The Light of Dawn

Rather than depicting an image, I construct the conditions from which an image can emerge. Inspired by the sunrise viewed from Seonyu Bridge, this work builds a visual field through the accumulation of repeated pen lines, allowing the flow of time and light to gradually unfold across the surface.

The process begins with my left hand, which freely disrupts and releases the underlying structure. My right hand then repeatedly layers identical lines, gradually building density over time. Instead of converging into a fixed representation, the drawing expands into a field of varying densities. Viewed up close, it appears as an abstract pattern of lines; from a distance, it resolves into the rhythm of light and landscape. The image is ultimately completed through the viewer's own memory, perception, and imagination.

The ballpoint pen is an irreversible medium. Each indelible line records a sequence of choices, the passage of time, and the movement of the body. Completed over the course of seven months, this work is not simply a depiction of a landscape, but the visible trace of accumulated time created through sustained repetition.

My practice does not seek to present a fixed image, but to open a space in which viewers discover their own landscape through perception. The countless layered lines embody the time my body has endured, and that accumulated time continues to unfold as new images within the imagination of each viewer.

This working method is grounded in prolonged, repetitive physical engagement. As a result, large-scale ballpoint pen works created through this process have become significant milestones within my practice—works that are not easily repeated.

선유도, 새벽의 빛(Seonyudo at Dawn)

<적적(積積): 도담>은 단양 도담삼봉과 석문의 풍경을 작가 특유의 볼펜 선묘법으로 재해석한 작업이다. 작가에게 풍경은 단순히 시각적 재현의 대상이 아니라, 무수한 선의 층위를 통해 도달해야 할 '수행의 장'이다. 화면을 가득 채운 집요한 볼펜의 궤적은 자연의 외형을 넘어 그 이면에 흐르는 기운과 시간의 무게를 구조화한다.

본래 이 풍경을 20점의 연작으로 기획했으나, 작가는 매체와 신체가 충돌하는 물리적 임계점에 직면하게 된다. 볼펜 선묘가 요구하는 극한의 밀도는 작가의 손목에 극심한 통증을 남겼고, 20장을 채우지 못한 채 멈춰 서야 했던 그 지점은 역설적으로 신체적 한계를 대가로 얻어낸 회화의 완결성을 상징하게 된다.

수년의 침묵 끝에 이 필치는 <선유도 일출> 연작으로 이어지며, 고통을 통과한 뒤 더욱 유연하고 깊어진 빛의 파동으로 진화한다. 또한 작가는 자신의 채널 '여우눈'을 통해 이 고된 선묘의 전 과정을 기록하며, 결과물로서의 회화를 넘어 캔버스 위에서 벌어지는 수행적 시간 자체를 디지털 아카이브로 구축하고 있다. 이는 작가의 노동이 단순히 기법에 머물지 않고, 하나의 실존적 기록으로 기능함을 증명한다.

Accumulation: Dodam reinterprets the landscape of Dodamsambong Peaks and Seokmun Gate through the artist's signature ballpoint pen linearity. For the artist, a landscape is not a subject of visual representation but a "field of spiritual practice" reached through countless layers of lines. The tenacious trajectories of the ballpoint pen organize the vital energy and the weight of time flowing beneath the surface of nature.

Originally conceived as a series of 20 works, the project led the artist to a physical threshold where the medium and the body collided. The extreme density required by the ballpoint linearity left the artist with severe physical pain, forcing a halt before the twentieth piece. Paradoxically, this point of cessation symbolizes the completion of a painting achieved at the cost of physical limits.

After years of silence, this brushwork evolved into the Seonyudo Sunrise series, transforming into deeper waves of light that passed through that very crucible of pain. Furthermore, the artist records the entire process of this grueling linearity through the channel 'Foxsnow,' building a digital archive of the performative time spent on the canvas. This proves that the artist's labor is not merely a technique but functions as an existential record of time and presence.

적적(積積): 도담 (Accumulation: Dodam)

[ENG SUB] 이 작품은 작가가 서울 나들이 중
경복궁에 핀 벚꽃을 관찰하며 그린
선묘 드로잉 시리즈다.

여리해 보이는 벚꽃에서 오히려
동물적 생명력을 느꼈다.

나무의 단단한 수피를 뚫고
흘러나온 꽃의 물관을 모세혈관처럼 보고,
그 집요한 생명력을 선의 세밀한 중첩으로 표현했다.

또한 ‘피어나다’ 시리즈와 마찬가지로,
왼손으로 볼펜을 잡고 오른손으로 색을 입히는
독특한 이중 손 기법을 사용하여,
꽃을 식물과 동물의 모세혈관을 연상시키는
추상적 형태로 구현했다.

This series of line drawings was created while the artist
observed cherry blossoms at Gyeongbokgung Palace
during a stroll in Seoul.

The delicate blossoms seemed fragile,
yet they conveyed a strikingly animal-like vitality.

The artist perceived the flower’s vascular system,
emerging through the tree’s rigid bark, as capillaries,
and expressed this persistent life through
intricate layering of lines.

Using a unique dual-hand technique—
holding a pen with the left hand while applying color with the right,
similar to the “Blooming” series—
the flowers are rendered as abstract forms
reminiscent of both plant and animal capillaries.

피어나는 순간 – A Moment in Bloom

<사멸의 소용돌이>는 후쿠시마 원전 오염수 방류라는 인류세(Anthropocene)의 비극적 결정에 대한 예술적 저항이자 생태적 애도이다. 작가는 ‘바다는 하나로 연결되어 있으며 생명은 끊임없이 순환한다’는 본질적인 섭리를 바탕으로, 인위적 오염이 초래할 죽음의 궤적을 종이 위에 새겨지는 집요한 선묘법으로 포착한다.

화면 중앙에서 분출되는 소용돌이는 단순한 물의 흐름을 넘어 생명력을 잠식하는 파멸의 소용돌이를 상징하며, 그 속에 부유하는 사해(死海)의 흔적들은 인간의 이기심이 마주할 서늘한 미래를 예고한다. 작가는 디지털 아카이브(Foxsnow)를 통해 종이의 질감을 파고드는 이 비극적 풍경의 수행적 과정을 기록하며, 화면 위의 선 하나하나가 생명을 수호하기 위한 간절한 목소리임을 증명한다. 이는 풍경의 재현을 넘어, 동시대를 살아가는 예술가가 사회적 실천으로서 수행하는 ‘볼펜 끝의 투쟁’이자 숭고한 기록의 결과물이다.

<사멸의 소용돌이>는 수만 번에 걸쳐 볼펜 선을 겹겹이 쌓아 올려, 소멸과 생성의 에너지를 시각화한 고밀도의 역작(力作)이다.

◽ 작품 제작 과정 기록 (Process Archive):
아래 링크를 통해 본 작품이 종이 위에서 수개월간 수행적으로 쌓여간 고독한 시간의 기록을 고스란히 확인하실 수 있습니다.
🔗 [생성과 사멸의 과정 영상 보기] ➡️ https://www.youtube.com/watch?v=wP1D9M1zCQI&list=PLvLQ7XCwp3RWUOFluhebG859lFPhKsKDN&index=2

[EN]
Vortex of Extinction serves as both an artistic resistance and an ecological mourning regarding the tragic decision to discharge radioactive contaminated water from Fukushima. Grounded in the fundamental truth that the oceans are interconnected and life constantly circulates, the artist captures the trajectory of death caused by artificial contamination through a tenacious and disciplined linearity upon paper.

The vortex erupting from the center transcends a mere current; it symbolizes a whirlpool of destruction consuming all vitality. The traces of the "Dead Sea" floating within foreshadow the grim future brought about by human egoism. By documenting the performative process of building this landscape of death—where each stroke penetrates the texture of the paper—through a digital archive (Foxsnow), the artist proves that every line on the page is a desperate cry to protect life. Transcending the representation of scenery, this work is a "struggle at the tip of the ballpoint pen"—a social practice and a sublime record performed by a contemporary artist.

Vortex of Extinction is a high-density masterpiece that visualizes the energies of creation and extinction by meticulously layering ballpoint pen lines tens of thousands of times.

◽ Process Archive:
Through the link below, you can fully experience the record of solitary time performatively built upon paper over the course of several months.
🔗 [Watch the Process of Creation and Extinction] ➡️ https://www.youtube.com/watch?v=wP1D9M1zCQI&list=PLvLQ7XCwp3RWUOFluhebG859lFPhKsKDN&index=2

사멸의 소용돌이 (Vortex of Extinction)

깊은 바다는 자신의 바닥을 쉽게 드러내지 않는다.

빛이 닿지 않는 곳에는 보이지 않는 흐름이 존재하고, 그 아래에는 오랜 시간 침전된 기억과 감정들이 가라앉아 있다.

이 작품은 수없이 반복된 점의 축적으로 이루어졌다. 하나의 점은 미미하지만, 그 작은 흔적들이 겹겹이 쌓이며 거대한 물결의 형상을 만들어낸다. 화면을 가로지르는 검은 파도는 단순한 자연의 풍경이 아니라 시간과 감정이 응축된 내면의 지형이다.

작품을 제작하던 당시, 설명하기 어려운 어둡고 거대한 물결의 이미지가 떠올랐다. 그것은 실제 재난의 모습이라기보다 인간의 내면을 흔드는 보이지 않는 파도에 가까웠다. 삶 속에서 마주하는 상실과 두려움, 상처와 고독은 때때로 거대한 물결이 되어 우리를 깊은 곳으로 끌어당긴다.

그러나 심연은 파괴의 공간만은 아니다.

어둠은 때로 자신을 마주하게 하고, 침묵은 내면의 목소리를 들려준다. 깊이를 통과한 바다는 이전과 같은 바다가 아니듯, 인간 또한 자신의 심연을 지나며 더욱 넓고 깊은 존재로 변화한다.

《쓰나미: 심연》은 모든 것을 무너뜨리는 파도에 대한 이야기가 아니라, 그 파도 아래 존재하는 깊이와 침묵, 그리고 그 시간을 통과하며 다시 빛을 향해 나아가는 인간의 내면에 관한 기록이다.

The deep sea rarely reveals its bottom.

Beneath the surface, beyond the reach of light, unseen currents move quietly. There, memories and emotions accumulated over time settle into the depths like sediment.

This work is composed of countless dots layered repeatedly across the surface. Each individual mark is small and almost insignificant, yet together they form the image of a vast wave. The dark surge stretching across the composition is not merely a seascape; it is an inner landscape shaped by time, memory, and emotion.

While creating this work, an image of a dark and immense wave emerged in my mind. It was not the image of a physical disaster, but rather an invisible force capable of stirring the depths of the human psyche. Loss, fear, wounds, and solitude often arrive like overwhelming tides, pulling us toward places within ourselves that we rarely dare to confront.

Yet the abyss is not solely a place of destruction.

Darkness can become a space for self-reflection, and silence can reveal the voices hidden within. Just as the sea is transformed by its depths, we too are changed by the experiences that lead us through our own inner abyss.

*Tsunami: Abyss* is not a story about a wave that destroys everything in its path. Rather, it is a reflection on the depth and silence that exist beneath the wave, and on the human journey of moving through darkness toward light once again.

쓰나미: 심연 (Abyss)

삶은 예상하지 못한 방향으로 우리를 데려간다.

어떤 씨앗은 비옥한 땅에 떨어지고, 어떤 씨앗은 척박한 땅에 떨어진다. 그러나 중요한 것은 씨앗이 떨어진 장소보다 그 안에 담긴 생명의 힘일지도 모른다. 바람과 비, 햇빛과 그늘을 지나며 씨앗이 자신의 색을 피워내듯, 인간 또한 저마다의 환경 속에서 삶의 리듬을 만들어 간다.

《파도의 춤》은 하나의 푸른 점에서 시작되었다.

작가는 점을 하나씩 찍고 이어가며 화면을 채워 나갔다. 작은 점들은 물과 물감의 농도에 따라 서로 다른 깊이와 결을 만들고, 반복과 축적을 통해 거대한 파도의 형상으로 확장된다. 화면을 흐르는 푸른 물결은 실제 바다의 모습이면서 동시에 삶 속에서 끊임없이 일어나는 감정과 시간의 파동을 상징한다.

오랫동안 나는 음악을 형태로, 마음을 색으로 표현할 수 있을지를 고민해 왔다. 점을 찍는 반복적인 행위는 마치 명상과도 같았고, 물의 흐름에 몸을 맡긴 채 이어진 흔적들은 하나의 리듬이 되었다. 예측할 수 없는 물의 움직임과 반복되는 점의 축적은 즉흥적인 선율처럼 화면 위에서 춤춘다.

수채화라는 물성을 사용하지만, 그 안에는 동양적 사유가 스며 있다. 한 점, 한 점을 쌓아 올리는 과정은 일필일획의 정신과 닮아 있으며, 자연과 호흡하며 내면의 풍경을 바라보는 시간이기도 하다.

《파도의 춤》은 거대한 성취의 이야기가 아니다.

삶이 만들어내는 굴곡과 파동, 그리고 그 흐름 속에서도 자신만의 색을 잃지 않고 살아가는 존재들에 대한 찬가이다. 화면 위를 유영하는 푸른 물결처럼, 이 작품이 보는 이들에게 현재라는 순간을 온전히 느끼고 삶의 리듬을 함께 즐기자는 작은 초대가 되기를 바란다.

Life often carries us in unexpected directions.

Some seeds fall on fertile ground, while others land in barren soil. Yet what ultimately matters is not where the seed falls, but the life force it holds within. Just as a seed unfolds its own colors through sunlight, rain, wind, and shade, each person creates a unique rhythm while moving through the circumstances of life.

*Dance of the Waves* began with a single blue dot.

One dot led to another, gradually expanding across the surface of the paper. Through subtle variations in the amount of water and pigment, countless dots accumulated to form layers of depth, texture, and movement. The flowing blue waves are both a depiction of the sea and a metaphor for the emotional currents and rhythms that shape human life.

For many years, I have been interested in translating music into form and emotion into color. The repetitive act of placing dots became a meditative process. Guided by the movement of water, each mark evolved into part of a larger rhythm. The unpredictable flow of watercolor and the gradual accumulation of dots create a visual cadence that moves across the surface like an improvised melody.

Although the medium is watercolor, the spirit of the work is deeply rooted in Korean aesthetics. The process of building the image dot by dot reflects a contemplative approach similar to the discipline of traditional brushwork—an attentive dialogue with nature, time, and the inner landscape.

*Dance of the Waves* is not a story of grand achievement.

Rather, it is a celebration of the rhythms, turns, and currents that shape our lives. Like waves moving freely across the sea, the work invites viewers to embrace the present moment, discover their own rhythm, and join in the dance of life.

파도의 춤 (Dance of the Waves)

미술대학을 졸업한 후, 나는 오랫동안 작업을 지속하기 위해 잠시 사회생활을 선택했다. 그리고 목표했던 시간을 채운 뒤 회사를 떠나 다시 작업실로 돌아왔다.

그 시기 나는 설명하기 어려운 거대한 움직임을 느끼고 있었다.

마치 보이지 않는 물결이 나를 어딘가로 이끌고 있는 것 같았다. 그 끝에 무엇이 있는지는 알 수 없었지만, 적어도 내가 향해야 할 방향만큼은 분명하게 느껴졌다. 내 마음이 움직이는 곳, 파도가 일어나는 방향, 바람이 흐르는 결을 따라 나 역시 흘러가 보기로 했다.

《큰 물결》은 그 시기의 기록이다.

작품은 수없이 반복된 푸른 점들의 축적으로 이루어졌다. 하나의 점은 작고 미약하지만, 점들이 쌓이고 연결되면서 선이 되고, 선은 면이 되며, 물감의 농도는 깊이와 흐름을 만들어 낸다. 그렇게 하루하루의 시간과 감정이 축적되어 화면 속 거대한 물결이 형성되었다.

나는 수채화 점묘 작업을 '그림 명상'이라고 생각한다.

반복적으로 점을 찍는 행위는 나를 지금 이 순간에 머물게 한다. 그날의 감정과 집중력, 손끝의 압력과 호흡은 점마다 조금씩 다른 흔적으로 남는다. 무수한 점들이 쌓이는 과정 속에서 하루의 내가 기록되고, 그 기록들은 결국 하나의 파도가 된다.

삶에는 누구나 방향을 잃는 순간이 있다.

몸은 현재에 머물러 있지만 마음은 자꾸 다른 곳을 향하고, 현실과 꿈 사이에서 흔들리는 시간도 찾아온다. 그러나 파도가 자신의 흐름을 거스르지 않듯, 인간 역시 내면 깊은 곳에서 들려오는 목소리를 따라야 할 때가 있다.

《큰 물결》은 단순한 바다의 풍경이 아니다.

이 작품은 삶의 전환점에서 마주한 두려움과 설렘, 그리고 자신이 진정 향하고자 하는 방향을 따라 나아가려는 의지를 담고 있다. 지금 자신의 길을 고민하는 누군가에게 이 물결이 작은 용기와 응원이 되기를 바란다.

*Great Swell*

After graduating from art school, I chose to spend a year working in society in order to build a foundation for a sustainable artistic practice. Once I had achieved that goal, I left my job and returned to the studio.

During that period, I felt an indescribable force moving within me.

It was as if an invisible wave was carrying me toward an unknown destination. I could not see where it would lead, but I felt certain of the direction I needed to follow. Trusting the movement of my heart, the rhythm of the waves, and the flow of the wind, I allowed myself to move forward.

*Great Swell* is a record of that transition.

The work is composed of countless blue dots accumulated over time. Each dot is small and seemingly insignificant, yet as they gather, they become lines; the lines become planes; and variations in pigment and water create depth, movement, and flow. Through this process, fragments of time and emotion gradually formed a single, powerful wave.

I often think of my watercolor pointillism as a form of meditation.

The repetitive act of placing dots anchors me in the present moment. My emotions, concentration, breathing, and even the pressure of my hand are recorded in each mark. As countless dots accumulate, a visual diary emerges, and together those traces become a wave.

There are moments in life when everyone loses their sense of direction.

The body remains in one place while the heart longs for another. We find ourselves suspended between reality and aspiration, uncertainty and desire. Yet just as a wave follows its natural course, there are times when we must listen to the voice within and trust where it leads us.

*Great Swell* is more than a depiction of the sea.

It reflects the fear and excitement of standing at a turning point in life, and the courage required to move toward one's true direction. I hope this wave offers encouragement to anyone searching for their own path.

큰 물결 (Great Swell)

오랫동안 나는 깊고 선명한 푸른 파도를 그려왔다.

꿈을 향해 달려가던 시기, 내 마음의 방향은 분명했다. 강한 발색의 푸른 색점들은 그 열망의 기록이었다. 수많은 점들을 찍어 2미터가 넘는 대작들을 완성하며 나는 내 안의 이야기들을 화면 위에 쏟아냈다.

그러던 어느 날 문득 궁금해졌다.

평안한 마음은 어떤 색일까.

이 작품은 그 질문에서 시작되었다.

나는 늘 사용하던 푸른 수채 물감에 더 많은 물을 섞기 시작했다. 색은 옅어지고, 화면에는 여백이 늘어났다. 이전의 파도가 힘차게 앞으로 나아가는 물결이었다면, 이 작품의 파도는 한 번 숨을 고른 뒤 천천히 몸을 눕히는 물결에 가깝다.

한때 예술가의 길을 걱정하던 어머니는 반 고흐 전시를 보고 돌아와 내게 말했다.

“반 고흐도 자신의 기법이 무르익을수록 색이 더욱 편안해졌더라.”

그 말을 들으며 문득 생각했다.

성숙이란 더 강해지는 것이 아니라, 때로는 힘을 빼는 것일지도 모른다고.

흐려진 물이 다시 맑아지는 과정처럼, 평안은 무엇인가를 더하는 일이 아니라 마음속 침전물이 천천히 가라앉기를 기다리는 시간에 가깝다. 비에 젖은 책장을 펼쳐 바람에 말리듯, 내 마음 역시 오랜 시간 환기와 침잠의 과정을 지나왔다.

점을 찍고 또 찍으며 마음밭을 갈고, 말하고 싶은 것들을 모두 꺼내놓고 나니 뜻밖에도 고요가 찾아왔다.

《평안의 파도》는 거대한 성취나 극적인 변화에 대한 이야기가 아니다.

이 작품은 자신의 내면과 충분히 대화한 뒤 찾아오는 고요한 숨결, 그리고 삶의 파도 위에서도 흔들리지 않는 평안을 향한 소망을 담고 있다.

이 물결이 화면 앞에 선 누군가의 마음에도 잠시 머물러, 잔잔한 쉼이 되기를 바란다.

For many years, I painted deep and vibrant blue waves.

During the years I pursued my dreams, the direction of my heart was clear. The intensely saturated blue dots became a record of that longing. As countless marks accumulated across large-scale works spanning more than two meters, I poured my thoughts, emotions, and aspirations onto the paper.

Then, one day, a question quietly emerged:

What color is a peaceful mind?

This work began with that question.

I started adding more water to the same blue watercolor pigments I had always used. The colors became lighter, and the empty spaces on the paper began to expand. Unlike the powerful waves of my earlier works, the waves in this painting seem to pause for a breath, gently settling into stillness.

At one point, my mother, who had long been concerned about my decision to pursue life as an artist, visited a Vincent van Gogh exhibition and later said to me,

*"As Van Gogh's artistic language matured, his colors seemed to become more at ease."*

Her words stayed with me.

Perhaps maturity is not always about becoming stronger. Sometimes it is about learning how to let go.

Just as muddy water does not become clear through force, but through the quiet passage of time as sediment settles to the bottom, peace may also arise not from adding more to our lives, but from allowing what has been stirred within us to gently come to rest.

Like the pages of a rain-soaked book spread open to dry in the breeze, the mind also requires time, air, and space to recover its balance.

As I placed dot after dot upon the paper, cultivating the landscape of my inner world and expressing everything I had long wished to say, an unexpected calm arrived.

*Wave of Calm* is not a story of dramatic transformation or extraordinary achievement.

Rather, it is a reflection on the stillness that emerges after a long conversation with oneself—a quiet breath that remains even as the waves of life continue to move.

I hope this wave may linger for a moment in the hearts of those who stand before it, offering a brief pause, a gentle rest, and a sense of inner peace.

평안의 파도 (Wave of Calm)

파도는 끊임없이 움직인다.

밀려오고 부서지기를 반복하지만, 어떤 순간에는 중력을 거슬러 오르듯 힘차게 치솟는다. 이 작품은 바로 그 순간의 생명력에 대한 기록이다.

작품은 수없이 반복된 점들의 축적으로 이루어졌다. 한 점을 찍고, 또 다음 점을 이어가는 과정은 마치 농부가 씨앗을 뿌리는 일과도 같다. 작은 점들은 물과 물감의 농도에 따라 서로 다른 깊이와 결을 만들고, 오랜 시간의 반복 속에서 하나의 거대한 물결로 성장한다.

사실 처음부터 이러한 형상을 의도한 것은 아니었다.

늘 그렇듯 점을 찍으며 화면을 따라가던 어느 순간, 화면 속 물결이 위로 치솟는 형상으로 다가왔다. 펼쳐진 파도의 곡선은 마치 하늘을 향해 날아오르는 날개의 움직임을 떠올리게 했고, 그 생명력은 나에게 새로운 가능성과 희망의 이미지를 보여주었다.

이 작품의 원제는 《독수리 날개치며 올라가듯》이었다.

이는 오랜 시간 많은 사람들에게 위로와 용기를 전해 온 표현에서 가져온 제목이다. 이후 보다 직관적인 소통을 위해 《솟구치는 파도》로 제목을 바꾸었지만, 작품이 품고 있는 의미는 변하지 않았다.

나는 점을 찍는다.

그러나 점은 어느새 선이 되고, 선은 면이 되며, 수많은 시간의 축적은 하나의 거대한 흐름을 만든다.

《솟구치는 파도》는 단순한 바다의 풍경이 아니다.

이 작품은 삶의 무게 속에서도 다시 일어나는 힘, 내면 깊은 곳에서 끊임없이 솟아오르는 생명력, 그리고 자신이 믿는 방향을 향해 나아가는 용기에 대한 이야기이다.

이 물결이 화면 앞에 선 누군가의 마음에도 작은 날개가 되어, 다시 한 번 빛을 향해 나아갈 힘이 되기를 바란다.

Waves are in constant motion.

They advance, retreat, and break apart, yet there are moments when they seem to rise against gravity itself. *Surging Wave* is a reflection on that very moment—a surge of vitality, momentum, and renewal.

The work is composed through the accumulation of countless dots. Placing one dot after another is much like a farmer sowing seeds across a field. Each mark may appear small on its own, yet through repetition and time, they gather into lines, planes, and eventually a powerful wave. Variations in water and pigment create depth, movement, and rhythm, allowing the image to emerge gradually from the process itself.

This form was not planned from the beginning.

As I followed the flow of the work, adding dots day after day, the wave slowly revealed itself. At a certain point, its rising curves began to resemble wings lifting toward the sky. The image evoked a sense of upward movement, possibility, and the life force that carries us beyond our limitations.

The original title of this work was *Like an Eagle Rising on Its Wings*.

Inspired by a phrase that has long offered comfort and encouragement to many people, the title reflected the uplifting energy I sensed within the image. Later, I changed it to *Surging Wave* in order to communicate more directly with a broader audience. Although the title changed, the essence of the work remained the same.

I place dots upon the paper.

Yet the dots become lines, the lines become forms, and accumulated moments become a larger current. What begins as a small gesture gradually transforms into something far greater than itself.

*Surging Wave* is more than a depiction of the sea.

It is a meditation on resilience, the vitality that rises from within, and the courage to move toward the direction one believes in. I hope this wave may become a small pair of wings for those who stand before it, offering strength to rise once again toward the light.

솟구치는 파도 (Surging Wave)

[ENG SUB] 화면 전체를 가득 메운 붉은 파도는, 바다라기보다 먼저 한 몸의 내부를 떠올리게 한다. 셀 수 없이 많은 작은 선과 점, 짧게 끊긴 붓 자국들이 서로를 따라 흐르며 하나의 거대한 물결을 만든다. 수평으로 비스듬히 기울어진 붉은 흐름들은 파도의 결이자 모세혈관의 흐름처럼 보이고, 그 사이사이로 남겨진 흰 여백은 숨을 들이쉬는 틈처럼 바다에 스며든 빛이 된다.

진홍, 자주, 버건디가 겹겹이 쌓인 표면은 멀리서 보면 단색의 바다 같지만, 가까이 다가갈수록 농도와 질감이 다른 수많은 층위가 드러난다. 번져나간 물감 자국은 따뜻한 피가 퍼져 나가는 듯 부드럽고, 여러 번 눌러 찍힌 작은 점들의 집합은 거친 포말이자 세포의 집합처럼 촘촘하다. 차갑게만 느껴질 수 있는 붉은 단색은 이렇게 서로 다른 결을 부딪치게 하며, 상처의 기억과 동시에 그 안을 통과해 흐르는 생명의 온기를 함께 품는다.

바다는 외부의 풍경이 아니라, 몸 안을 가득 채운 피와 같은 리듬으로 그려져 있다. 물결은 곧 심장 박동처럼 규칙적으로, 때로는 소용돌이치며 불규칙하게 이어지고, 화면을 가로지르는 방향성은 파도가 밀려오고 물러나는 호흡과도 같다. 이 바다 위에는 뚜렷한 수평선도, 구체적인 지형도 없지만, 그 대신 붉은 물결 사이로 어렴풋이 떠오르는 하나의 몸, 하나의 마음이 있다.

작품 앞에 서면 관람자는 바다를 바라보는 누군가의 얼굴을 찾기보다, 자신 안에서 조용히 일렁이는 감정의 파도를 느끼게 된다. 상처났던 자리, 다시 피가 돌아온 자리, 아직 비어 있는 흰 여백이 한 화면 안에서 함께 숨 쉬며, 바깥의 바다와 내 안을 흐르는 생명이 같은 빛을 품고 있음을 천천히 깨닫게 한다. 이 붉은 바다를 오래 바라볼수록, 파도 소리 대신 심장 박동에 더 귀 기울이게 되는 순간이 찾아온다.

The canvas is filled with crimson waves, but this sea evokes the inner body before it evokes an external landscape. Countless tiny lines, dots, and short, broken brushstrokes flow together, forming a vast, undulating wave. Diagonal crimson streams resemble both the rhythm of ocean waves and the flow of veins, while the white spaces between them act as pauses where light softly enters the scene.

Layers of crimson, magenta, and burgundy appear as a uniform sea from a distance, yet up close, the subtle variations in tone and texture emerge. Washed brush marks suggest the gentle spread of warm blood, while dense clusters of repeated tiny dots feel like frothy surf or cellular formations. The deep red, which could otherwise feel cold or flat, becomes dynamic—holding both the memory of past wounds and the warmth of life flowing through them.

The sea is not an external view, but painted as a rhythm of blood that fills the body. Waves move with the regularity of a heartbeat, sometimes swirling in irregular patterns, their directions mimicking the ebb and flow of breath. There is no clear horizon or defined landscape; instead, faint traces of a body and a mind emerge among the crimson waves.

Standing before the canvas, viewers are drawn not to a face gazing at the sea, but to the quiet waves of emotion stirring within themselves. Scars that have healed, blood that has returned, and empty white spaces coexist on the surface, gradually revealing that the life flowing in the external sea and within the viewer shares the same light. The longer one observes, the more attention shifts from the sound of waves to the rhythm of the heartbeat.

붉은 파도(Crimson Wave)

[ENG] 〈빛〉은 한때 형상과 숲을 이루던 점들이 순수한 에너지로 녹아드는 순간을 포착합니다. 젯소를 바른 나무 패널 위에 쌓인 노란색 층들은 햇살, 꽃가루, 수액, 먼지처럼 다양한 자연의 입자를 떠올리게 하지만, 어느 하나에도 고정되지 않습니다. 미세한 점과 짧은 흔적들이 번짐을 조각내어, 빛이 공기 중에 머무는 시간을 천천히 늘려 놓은 듯한 느낌을 줍니다.

이 작품에서 점묘는 더 이상 형상을 만들기 위한 도구가 아니라, 빛 자체가 구조를 만들어가는 방식입니다. 노랑과 황토의 미묘한 농담 차이는 강렬한 정서의 절정이 아니라, 남은 잔열처럼 화면 곳곳에 머뭅니다. 특정 풍경이나 사건을 떠올리게 하기보다, 한 번 스쳐간 감정이 사라지지 않고 미세한 진동으로 남은 상태를 기록하며, 점과 색의 리듬이 화면 전체를 지탱합니다.

흰 여백은 단순히 비어 있는 공간이 아니라, 아직 이름 붙지 않은 감각이 머무는 자리입니다. 관람자의 시선은 노란 입자 사이를 따라 움직이며, 이것이 흩어지는 햇빛인지, 내면에서 서서히 밝아지는 감정인지 스스로 질문하게 만듭니다. 화면 앞에서, 빛은 외부에서 비추는 것이 아니라 작품과 관람자 사이에서 조용히 발생하는 어떤 상태로 경험됩니다.

Light captures a moment where dots, once forming figures and forests, dissolve into pure energy. Layers of yellow wash across the gessoed wooden panel, evoking sunlight, pollen, sap, and dust simultaneously—yet none of these are fixed or confined. Tiny dots and short strokes break the washes into fragments, stretching the time light seems to linger in the air. Here, pointillism is no longer a tool for forming shapes but a way for light itself to create structure. Variations of yellow and ochre linger like the afterglow of intense emotion rather than its peak. Rather than recalling a specific landscape or event, the work records the subtle vibrations of a fleeting feeling, with color density and rhythmic dots holding the canvas together. The white space is not empty but a place for unlabeled sensations. Viewers’ eyes move among the yellow particles, questioning whether they are witnessing sunlight scattering or sensing the gradual illumination of an inner emotion. In front of the canvas, light is experienced not as something external, but as a quiet state arising between the work and the observer.

빛(Light)

[ENG SUB] 〈파도타기〉(2009)는 삶 속에서 출렁이는 순간과 장애를 넘어서는 경험을 파도의 능선에 비유한 작품이다. 짙은 코발트와 울트라마린이 나무 패널을 사선으로 가로지르며 끝없이 밀려오는 물결을 만들고, 짧게 찍은 점과 선들은 파도의 포말이자 세포처럼 서로를 따라 흐른다. 남색과 검은 색은 심해의 그림자를, 연한 터키블루와 밝은 연두는 빛의 흔적을 보여주며, 화면 전체에 미세한 떨림과 리듬을 남긴다. 수채의 층위는 붓질의 흔적을 그대로 드러내며, 바다 표면과 그 아래의 움직임을 동시에 경험하게 한다. 실제 서핑 장면을 그린 것이 아니라, 삶의 도전과 장애를 넘어가는 경험을 서핑에 비유하여, 감정과 몸이 파도를 타며 균형을 잡는 순간을 담았다. 관람자는 시선을 따라 자연스럽게 화면을 움직이며, 바깥의 바다와 내 안의 파도가 잠시 조화를 이루는 순간을 마주하게 된다.

Riding the Wave (2009) metaphorically captures life’s fleeting moments and the challenges we navigate as wave crests. Deep cobalt and ultramarine sweep diagonally across the wooden panel, forming endless currents, while short strokes and dots ripple like foam or clusters of cells. Dark blues and blacks evoke the shadows of the deep sea, while pale turquoise and bright green fragments catch fleeting traces of light, leaving subtle vibrations and rhythms across the surface. The layered watercolor reveals every trace of brushwork, allowing viewers to sense both the surface of the sea and the hidden movements beneath. Rather than depicting literal surfing, the work uses surfing as a metaphor for navigating life’s challenges, conveying the sense of balance and rhythm amidst emotional waves. Eyes naturally follow the diagonals, moving with the rhythm, encountering moments where the outer sea and the viewer’s inner waves align in harmony.

파도타기(Riding the Wave)

[ENG SUB] 〈불타는 파도〉는 차갑게만 느껴지던 물의 이미지를 붉은 열기로 뒤집어 놓은 작품입니다. 흰 여백과 붉은 파도의 경계를 따라 시선을 옮기면, 물결과 불꽃, 냉과 열이 뒤섞인 내면의 감정 리듬을 느낄 수 있습니다. 짧고 촘촘한 붓질이 겹겹이 쌓여 파도의 결과 불꽃의 혀를 동시에 그려내며, 순간적으로 치밀어 오른 감정의 흐름을 시각화합니다.

작가 소장 

 “Burning Wave” transforms the familiar cold imagery of water into a surge of red heat. Following the boundary between the white void and the crimson wave, viewers can sense the rhythm of emotions caught between water and fire. Layered, dense brushstrokes create a dual image of wave and flame, visualizing the fleeting surge of emotion within the body and mind.

Artist’s Collection

불타는 파도 (Burning Wave)

〈방의 잔상〉: 고립된 방에서 피어난 생존의 기록

〈방의 잔상〉은 대학 시절 겪었던 극심한 신체적 고통과 정신적 번아웃의 터널을 통과하며 남긴 자기 치유의 기록이다. 공포의 대상이었던 어두운 장롱과 살덩이 같은 이불의 그림자 속에서, 라디오 너머의 소리와 창밖의 빛에 의지해 생명을 회복해가던 찰나를 포착했다. 화면 속 침대 위에서 식물처럼 자라나는 작가의 신체는 고립된 방을 무서운 동굴이 아닌, 이끼가 돋아나는 생동하는 공간으로 치환한다. 초기 볼펜 선묘의 예리한 감각이 수채의 면과 만나는 이 지점은, 현재 작가가 지속하고 있는 ‘수행적 점묘’와 ‘생명력의 축적’이라는 작업적 근간이 어디서부터 시작되었는지를 여실히 보여준다.


〈Afterimage of the Room〉: A Record of Survival in Isolation

Afterimage of the Room is a record of self-healing, created while navigating through a tunnel of intense physical pain and mental burnout during the artist's college years. It captures the moment of recovering vitality through the light from the window and the sounds from the radio, amidst the shadows of a wardrobe and bedding that felt like terrifying caves or oppressive flesh. The artist's body, growing like a plant upon the bed, transforms the isolated room from a fearful void into a living space where moss sprouts. This work, where early ballpoint pen line-work meets watercolor surfaces, reveals the very origin of the "performative stippling" and "accumulation of vitality" that define the artist's current practice.

방의 잔상 II(Afterimage of the Room II)

〈피어나다〉는 초기 펜 작업의 예리한 선묘를 수채 매체의 수행적 점묘로 치환하여 135cm의 대형 화면에 정착시킨 작업이다. 펜이 가진 ‘기록적 속성’이 수채의 ‘스며듦과 쌓임’이라는 물성을 만나며, 생태적 생명력을 지닌 거대한 시각적 흐름으로 확장되었다. 수만 번의 점을 찍는 행위는 단순한 묘사가 아니라 매일의 시간을 물리적으로 박제하는 수행의 과정이며, 한성백제미술제 특선 수상을 통해 그 견고한 작업성을 확인받았다. 화면을 가득 채운 점들의 집합은 개별적인 꿈의 파편들이 모여 하나의 유기적인 생명체로 피어나는 숭고한 축적의 시간을 증명한다.

Blooming is a pivotal work that translates the sharp line drawings of the artist's early ballpoint pen period into a performative stippling technique using watercolor, anchored on a large 135cm scale. The 'documentary quality' of the pen meets the material properties of watercolor—permeating and layering—expanding into a vast visual flow of ecological vitality. The act of placing tens of thousands of dots is not mere depiction, but a process of physical "mummification" of daily time. Awarded at the Hanseong Baekje Art Exhibition, this work proves its rigorous craftsmanship. The assembly of dots filling the screen serves as a testament to the sublime accumulation of time, where individual fragments of dreams gather to bloom into a singular, organic entity.

피어나다 II (Bloom up II)

화면을 가득 채운 옐로와 오렌지의 파동이 하나의 거대한 회오리처럼 서로를 감싸 안는다. 중심에서 바깥으로 퍼져 나가는 둥근 결은 태양의 빛살이자, 꽃잎이 겹겹이 말려 올라간 단면, 한낮의 공기 속에서 부풀어 오르는 열기의 흐름을 동시에 떠올리게 한다. 가장 밝은 노랑이 화면의 심장처럼 맥동하고, 그 주변을 도는 오렌지와 황토색의 띠는 서서히 짙어지며, 빛이 온도와 무게를 얻어 가는 과정을 보여 준다. 수평선도, 구체적인 사물도 지워진 자리에는, 색 자체가 풍경이 되어 버린 한낮의 장면만이 남는다.

가까이 다가가면 이 빛의 소용돌이는 한 번에 칠해진 면이 아니라, 수없이 겹쳐 찍힌 짧은 붓 자국들이 만든 결의 집합으로 드러난다. 미세하게 방향을 달리하는 점과 선들은 물결처럼 이어지며, 산 능선을 따라 흐르는 숲의 결, 노을이 스며든 구름의 층, 피부 아래 근섬유의 리듬을 함께 떠올리게 한다. 수채 특유의 번짐과 마른 자국이 맞물리면서, 어느 부분은 촉촉이 젖은 공기처럼, 또 다른 부분은 이미 뜨거운 햇볕에 말라 버린 흙처럼 느껴진다. 밝게 번진 자리와 농도가 짙게 응축된 부분이 교차하며, 화면 전체에 숨을 들이쉬고 내쉬는 듯한 호흡을 남긴다.

중앙 가까이에서 피어오르는 연한 베이지와 살구색의 둥근 덩어리는, 노랑의 바다 한가운데에서 잠시 고요히 떠오른 꽃이나 구름의 형상처럼 보인다. 그 주변으로 뿜어져 나오는 흰 여백은 색이 미처 채워지지 않은 공백이 아니라, 눈부심 때문에 잠시 시야가 지워지는 순간의 잔상에 가깝다. 관람자의 시선은 자연스럽게 이 밝은 중심에서 시작해, 바깥으로 퍼져 나가는 곡선을 따라 천천히 회전하고, 화면 가장자리의 짙고 거친 결에 닿았다가 다시 안쪽으로 되돌아온다.

이 앞에 서 있는 동안, 풍경은 더 이상 나무와 산, 하늘로 구분되는 외부의 장면이 아니라, 몸 안에서 서서히 데워지는 온기와 그 온기가 주변으로 번져 나가는 감각으로 다가온다. 노랑과 오렌지의 결 사이를 따라가다 보면, 어느 순간 이 이미지는 실제 자연의 한 장면이 아니라, 마음속에 오래 머무는 빛의 잔열, 사라지지 않고 계속해서 퍼져 나가는 한낮의 기운을 그려 낸 것처럼 느껴진다. 관람자는 이 따뜻한 파동 속에 잠시 몸을 담그듯 시선을 머무르며, 자신의 안에서 지금 어디까지 빛이 번져 있는지 조용히 확인해 보게 된다.

※ 소장 완료 (Reference Work)

풍경 (Landscape)

이 작품은 감정을 묘사하기보다, 감정이 지나간 뒤에도 화면에 남아 있는 에너지의 상태를 기록한다.

작가는 화가 났을 때의 심리를 특정 서사나 사건으로 설명하지 않는다. 대신 색과 점의 반복적 축적을 통해 감각의 흐름이 화면 위에 자연스럽게 정착되도록 한다. 점묘에 가까운 자동기술적 행위는 통제된 표현을 벗어나, 감정이 스스로 형태를 만들어 가는 과정에 가깝다.

붉은 색층들이 서로 밀고 겹치며 형성하는 화면은 분노의 순간 그 자체가 아니라, 그 이후에도 쉽게 사라지지 않고 남아 있는 잔열과 같은 상태를 암시한다. 이는 감정을 대상화하기보다, 감정과 함께 존재하는 시간과 밀도, 그리고 잔상을 회화적으로 드러내는 시도다.

이 작업은 이전의 드로잉 중심 표현에서 벗어나, 감정을 색과 형태, 그리고 수채라는 물성으로 본격적으로 전환시킨 지점에 위치한다. 감정은 더 이상 선이나 제스처로 전달되지 않고, 점의 축적과 색의 밀도를 통해 화면 안에서 스스로 구조를 형성하기 시작한다.

Rather than depicting emotion itself, this work records the state of energy that remains after emotion has passed.

The artist refrains from narrating anger as a psychological event. Instead, color and the repetitive accumulation of dots are allowed to settle onto the surface through a process akin to automatism. This approach moves beyond controlled expression, approaching a state in which emotion forms its own structure.

The layered reds, pressing and overlapping across the surface, evoke not the moment of anger, but its afterheat — a residual intensity that lingers beyond the initial surge. The painting reveals emotion not as an image, but as duration, density, and trace.

Positioned at a point of transition in the artist’s practice, this work marks a shift from earlier drawing-based expressions toward a fuller engagement with color, form, and the materiality of watercolor. Emotion is no longer carried by line or gesture, but begins to structure itself through the accumulation of dots and the density of color.

잔열(Afterheat)

[ENG SUB] 〈바다의 얼굴〉 은 작가가 삶의 방향과 정체성에 대해 깊이 사유하던 시기에 제작된 작품으로, 자연을 통해 내면의 상태를 비유적으로 드러낸 회화이다. 이 작업에서 바다는 단순한 풍경이 아니라, 끊임없이 변화하는 감정과 의식의 표면이자 ‘마음의 얼굴’로 작동한다.

바람과 빛, 하늘에 따라 시시각각 달라지는 바다의 표정은 외부 환경에 반응하며 흔들리는 인간의 내면을 투영한다. 특히 이 작품은 점과 선을 중심으로 전개되던 이전 작업에서 벗어나, 점·선·면의 관계가 하나의 화면 안에서 처음으로 함께 드러난 작업이라는 점에서 중요한 전환점을 이룬다.

은색 종이 위에 아크릴 물감으로 제작된 이 작품은, 번짐보다는 붓의 결이 선명하게 남은 스트로크와 물감의 두께, 그리고 빠른 건조 과정에서 형성된 층과 경계가 화면의 리듬을 만든다. 점처럼 보이는 요소들 역시 안료가 눌리고 쌓이며 형성된 질감의 흔적으로, 파도의 흐름이자 감정의 밀도를 드러낸다.

이 시기는 작가가 아크릴 물감을 사용하던 유일한 시기로, 이후 환경에 대한 인식 변화와 함께 재료 선택이 달라지기 이전의 한 단면을 기록한다. 초기 제목이었던 〈자화상〉이 암시하듯, 이 작품은 특정 인물을 그린 초상이 아니라 자연을 통해 자신을 응시한 내면의 초상에 가깝다. 자연과 자아, 밀도와 비움 사이에서 형성된 이 균형의 감각은 이후 작가의 작업 세계로 확장되는 출발점이 된다.

이 작품은 작가의 초기 작업으로, 
졸업심사 당시 작가 안규철로부터 작가의 정체성이 분명히 드러난 작업이라는 평가를 받았다.
이후 연작으로 이어지는 조형적 관심과 태도가 이 작업에서 이미 형성되어 있다.

〈The Face of the Sea〉 was created during a period in which the artist was deeply contemplating direction and identity, using nature as a metaphor for inner states. Here, the sea functions not as a landscape, but as a surface of consciousness — a face reflecting emotions shaped by light, wind, and surrounding conditions.

The constantly changing expressions of the sea mirror the artist’s own fluctuating inner states in response to the external world. While earlier works centered primarily on points and linear structures, this painting marks a pivotal transition in which point, line, and plane begin to coexist within a single composition, signaling a shift toward a more expansive pictorial language.

Executed in acrylic on silver paper, the work emphasizes visible brushstrokes, variations in paint thickness, and boundaries formed through the material’s rapid drying process, rather than bleeding or diffusion. What appear as dots are accumulations of pigment, pressed and layered to create tactile density — traces of both wave movement and emotional rhythm.

This period represents the only phase in which the artist worked with acrylic paint, prior to a material shift informed by growing environmental awareness, including concerns about ecological impact. Originally titled *Self-Portrait*, the painting can be understood less as a depiction of the physical self than as an inward gaze rendered through nature. It stands as a foundational moment from which the artist’s later exploration of sensory and perceptual landscapes unfolds.

This work is an early piece by the artist.
During the graduation review, it was evaluated by artist Ahn Kyuchul as a work in which the artist’s identity is clearly articulated.
The sculptural concerns and artistic attitudes that later developed into an ongoing body of work are already present here.

바다의 얼굴

짙은 코발트와 울트라마린이 끝없이 휘감기며, 화면 위에 수많은 소용돌이와 파장을 만들어 낸다. 둥글게 말려 들어가는 선들의 집합은 파도의 눈이자 태풍의 중심처럼 보이고, 동시에 커다란 홍채와 동공을 닮은 원형의 흔적들로 번져 간다. 수평선이나 육지의 경계는 완전히 지워지고, 남아 있는 것은 서로 다른 크기와 속도로 회전하는 파도의 눈동자들, 그 사이를 미끄러지듯 이어지는 푸른 흐름뿐이다.

가까이 다가가면 화면은 수채 특유의 번짐이라기보다, 수없이 겹쳐 찍힌 짧은 붓 자국들의 집합으로 보인다. 촘촘하게 쌓인 선과 점들은 파도의 포말이자 세포의 떨림처럼 서로를 따라가며, 농도가 다른 블루의 층위를 만들어 낸다. 한 겹은 투명하게 스며들어 얇은 막처럼 흔들리고, 다른 한 겹은 두껍게 밀려 올라와 거친 파고가 된다. 이런 결의 차이가 모여, 잔잔한 수면과 깊은 심해, 머리 위의 밤하늘이 한 화면 안에서 동시에 겹쳐지는 순간을 만든다.

곳곳에 스며든 에메랄드와 형광에 가까운 연두, 미세하게 번진 적색과 자주색의 알갱이들은, 푸른 소용돌이 사이로 스쳐 지나가는 별빛이자 경보처럼 반짝이는 신호 같다. 이 작은 빛의 조각들은 원형의 중심부에서 바깥으로, 혹은 바깥에서 안쪽으로 나선형을 그리며 이동하고, 그 움직임은 마치 눈동자가 수면 위의 미세한 변화를 놓치지 않고 따라가는 시선의 궤적을 닮아 있다.

종이 위에 쌓인 수채의 두께는 물감이 마르며 남긴 가장자리와 미세한 결까지 드러내며, 파도의 눈이 한 번 깜빡일 때마다 남겨지는 잔상을 기록하듯 화면을 채운다. 물이 지나간 자리, 다시 덮어 칠해진 자리, 의도적으로 남겨 둔 밝은 여백들이 원을 그리며 겹겹이 포개지고, 그 안에서 바다는 더 이상 외부의 풍경이 아니라, 끊임없이 주변을 살피고 감지하는 내면의 감각으로 변한다.

작품 앞에 서면 관람자는 어느 한 소용돌이만을 응시하기보다, 여러 개의 눈 사이를 옮겨 다니며 시선을 회전시키게 된다. 눈이 움직이는 방향을 따라 몸도 천천히 회전하고, 파도의 리듬과 함께 호흡이 조금씩 깊어진다. 이 푸른 눈동자들 사이에서 관람자는 바다에게 바라보이는 존재이자, 동시에 바다를 응시하는 존재가 된다. 서로를 향해 열려 있는 수많은 시선들 속에서, 바깥의 파도와 내 안에서 일렁이는 감정의 물결이 잠시 같은 속도로 돌고 도는 순간을 마주하게 된다.

※ 소장 완료 (Reference Work)

파도의 눈 (The eyes of waves)

[ENG SUB] 〈빛 2〉는 파도의 리듬과 색의 움직임이 ‘빛’이라는 감각으로 응축된 2007년 초기 연작의 핵심 작품입니다. 화면에 흩뿌려진 색점들은 단순한 형태 묘사를 넘어, 감정과 지각이 축적되며 생성되는 빛의 일렁임을 시각화합니다.

이 작업에서 빛은 물리적 현상이 아니라, 작가가 감정과 세계를 인식하는 방식 그 자체에 가깝습니다. 현실의 색을 그대로 재현하기보다는, 마음으로 인식한 풍경을 색의 리듬과 밀도로 전환하며 화면을 구성합니다. 개별적인 색점들이 서로 호응하며 확장될 때 발생하는 미세한 진동은, 파도의 움직임이 빛으로 감각화되는 순간을 포착합니다.

인상파 화가들에게 빛이 곧 색이었듯, 이 작품에서 색은 감정과 인식의 매개체로 기능합니다. 〈빛 2〉는 이후 작가가 ‘감각의 풍경’을 본격적으로 전개해 나가는 출발점에 위치하며, 초기 작업 세계의 밀도와 방향성을 선명하게 보여주는 중요한 기준작입니다.

※ 소장자 노트
초기 연작 중에서도 〈빛 2〉는 작가의 조형 언어와 감각적 인식이 가장 응축된 작품입니다. 점과 선, 색의 리듬이 이후 반복적으로 확장되는 작업 세계의 토대를 이루며, 작가 감각의 방향성을 이해하는 기준점으로 기능합니다.

Light 2 (2007) is a key work from the artist’s early series, in which the rhythm of waves and the movement of color are condensed into the sensory experience of light. The dispersed points of color extend beyond descriptive form, visualizing the subtle flicker of light as emotion and perception gradually accumulate.

In this work, light is not treated as a physical phenomenon, but as a mode through which the artist perceives emotion and the world itself. Rather than reproducing the colors of reality, the artist translates landscapes apprehended through feeling into rhythms and densities of color. As individual points resonate and expand across the surface, subtle vibrations arise—capturing the moment in which the movement of waves is transformed into a sensory experience of light.

As light was inseparable from color for the Impressionists, color here functions as a conduit for emotion and perception. Light 2 occupies a foundational position in the artist’s practice, marking the point at which her exploration of “Landscapes of Sensation” begins to fully unfold, and offering a clear articulation of the density and direction of her early work.

※ Collector’s Note
Among the artist’s early works, 〈Light 2〉 is the most concentrated articulation of her formative visual language and sensory perception.
The rhythmic structure of dots, lines, and color established here becomes the foundation for subsequent developments, functioning as a reference point for understanding the trajectory of her practice.

빛 2 (Light 2)

[ENG SUB] 삶의 상처와 치유를 은유적으로 표현하기 위해 가시나무를 소재로 삼았다.
나선과 연필을 활용해 평면에서 공간감을 만들고, 앞뒤 나선이 만나 입체적 리듬을 형성하며 레이어를 통해 생명과 에너지의 흐름을 시각화한다.
작품은 관람자가 상처와 성장, 빛과 움직임을 자연스럽게 느끼도록 안내한다.

The artist uses the thorn tree as a subtle metaphor for life’s wounds and healing.
Spirals and pencil are employed to create a sense of depth on the flat surface, with front and back spirals forming a three-dimensional rhythm.
Layered compositions visualize the flow of life and energy, guiding viewers to naturally experience wounds, growth, light, and movement.

가시나무 (Thorn Tree)

초연결 사회 속 생명의 흐름을 혈관과 물관의 이미지로 응축한 서정적 추상 회화.

A poetic abstract painting that condenses the flow of life in a hyper-connected society into a single, organic system.

공급 : 연결된 생명(Supply: A Connected Life)

새하얀 여백 위에 한 인물이 비스듬히 몸을 기울인 채 앞으로 나아간다. 그러나 이 몸은 살과 근육으로 채워져 있지 않고, 붉은 계열의 물감이 만든 그물망 같은 결로만 이루어져 있다. 핑크, 오렌지, 레드, 보라가 얽히며 만들어 낸 유기적인 틈들은, 피부의 표면이라기보다 안쪽의 근섬유와 혈관, 그리고 몸을 지탱하는 보이지 않는 에너지의 흐름을 드러낸다. 한 걸음을 내딛는 순간의 자세가 포착되어 있지만, 그 안에서 진짜로 움직이는 것은 뼈와 근육이 아니라, 미세하게 진동하는 색의 파동들이다.

가까이 다가가면 이 인물은 하나의 면이 아니라, 수없이 반복된 작은 붓 자국과 물감의 번짐이 만든 결의 집합으로 보인다. 구멍처럼 비어 있는 틈 사이로 흰 바탕이 숨을 쉬듯 드러나고, 농도가 다른 레드와 오렌지가 서로를 덮고 스며들며, 마치 세포가 분열하고 재구성되는 과정처럼 느껴진다. 팔과 다리 쪽으로 갈수록 색의 결은 더 가늘고 길어지며, 앞으로 뻗어 나가려는 힘을 따라 유선형으로 흐른다. 특히 허리와 골반 주변의 진한 남보라와 딥블루는, 몸의 중심을 이루는 무게와, 그 무게를 끌고 한 발을 떼어야 하는 순간의 긴장을 응축한 듯 화면의 심지를 형성한다.

작품의 대부분을 차지하는 흰 여백은 인물을 둘러싼 공기이자, 아직 디딜 곳이 채워지지 않은 공간처럼 보인다. 발 아래의 바닥도, 앞을 가로막는 장애물도 그려져 있지 않지만, 관람자는 이 기울어진 몸의 방향과 리듬을 따라, 보이지 않는 길을 자연스럽게 상상하게 된다. 한 걸음, 또 한 걸음을 떼기 위해 필요한 것은 확실한 목적지가 아니라, 지금 이 순간 몸 안에서 조금씩 이동하는 온기와 무게의 감각임을, 색의 결이 조용히 말해 주는 듯하다.

이 앞에 서 있는 동안, 인물은 특정한 누군가의 초상이라기보다, 스스로를 지탱하며 앞으로 나아가야 하는 모든 몸의 형상으로 다가온다. 관람자는 붉은 그물망 사이를 따라 시선을 천천히 미끄러뜨리며, 자신의 안에서도 어디쯤에서 힘이 모이고, 어느 지점에서 균형이 흔들리며, 또 어떻게 다시 중심을 찾아 한 발을 내딛게 되는지 조용히 떠올리게 된다. 흰 여백 속에 남겨진 이 반투명한 실루엣은, 아직 완전히 도착하지 않은 어떤 존재의 중간 걸음으로, 오래도록 여운처럼 머문다.

※ 소장 완료 (Reference Work)

한 걸음 한 걸음(Step by step)

[ENG SUB] 바람과 대지 사이, 순수하게 성장하는 영혼의 순간.
이 작품은 향설 김현지의 생명나무 시리즈가 시작되는 중요한 순간을 포착한다.
처음으로 나선형 모티프가 등장하며, 꽃과 생명의 구조를 동물적 생명력으로 추상화하여, 작가의 내면적 세계를 가장 순수하게 드러낸 작품이다.

작가 소장

Between wind and earth, a soul grows, pure and unbound.Between wind and earth, a soul grows, pure and unbound.
This work captures a pivotal moment in Hyangseol Kim Hyunji’s Tree of Life series.
It introduces her first spiral motif, abstracting flowers and life’s structures with an animal-like vitality, revealing the artist’s inner world in its purest form.

Artist’s collection

기도1(Prayer1)

〈휴식〉은 점묘가 쌓여 하나의 몸이 되고, 그 몸이 다시 숲과 이어지는 지점을 포착한다. 화면 가득 번져 있는 초록의 결들은 나무의 잎과 인체의 근육, 흙과 수액의 흐름을 동시에 떠올리게 한다. 분명 팔을 벌린 인물의 형상이지만, 경계는 명확히 닿지 않고 주변의 숲과 함께 하나의 거대한 유기체처럼 이어진다.

수채 물감은 종이 위에서 완전히 마르기 전에 다시 덧입혀지며, 작은 사각형에 가까운 점과 짧은 획들로 분절된다. 이 반복은 특정 풍경을 묘사한다기보다, 숨을 들이마시고 내쉬는 리듬처럼 화면 전체에 퍼져 나간다. 초록과 노랑, 푸른빛이 서로 스며들며 만들어내는 깊이는, 인간이 숲 속에 서 있는 장면이라기보다 숲이 인간의 형태를 잠시 빌려 휴식하고 있는 상태처럼 느껴지게 한다.

이 작품에서 ‘휴식’은 단순히 몸을 누이는 행위가 아니라, 자아와 환경의 경계가 느슨해지는 순간에 가깝다. 개별적인 감정이나 사건은 전면에서 물러나고, 남는 것은 색의 진동과 점의 밀도가 만들어내는 조용한 에너지의 장이다. 관람자는 인물과 숲 사이의 구분을 잠시 잊은 채, 화면을 따라 시선을 천천히 움직이며 자신이 어느 쪽에 더 가까이 서 있는지 자연스럽게 묻게 된다.

Rest captures a moment where countless tiny dots accumulate to form a human figure, which then seamlessly merges with the surrounding forest. The greens that fill the canvas evoke tree leaves, human muscles, soil, and sap simultaneously. While the figure clearly stretches its arms, its boundaries blur, becoming part of a larger organic whole alongside the forest.

The watercolor is applied in layers before each layer fully dries, breaking into tiny square‑like dots and short strokes. This repetition doesn’t depict a specific landscape, but rather spreads across the canvas like the rhythm of inhaling and exhaling. The blending of greens, yellows, and blues creates a depth that makes it feel less like a person standing in a forest, and more like the forest briefly borrowing the human form to rest.

In this work, rest is not merely lying down; it is the moment when the boundary between self and environment softens. Individual emotions and events recede, leaving a quiet energy field created by the vibration of color and density of dots. Viewers may lose the distinction between figure and forest for a moment, allowing their gaze to wander across the canvas and intuitively sense where they themselves are standing.

휴식(Rest)

[ENG SUB] 〈형성되는 풍경〉은 작가가 점을 반복적으로 찍는 자동기술적 회화 방식으로 풍경을 구축하기 시작한 최초의 작업이다. 이 작품에서 풍경은 재현의 대상이 아니라, 점의 축적과 리듬을 통해 스스로 형성되는 감각적 장으로 나타난다.

의식적 구성보다 반복 행위에 의해 생성된 화면은, 이후 작가가 전개해 나가는 점묘 회화와 ‘흐름’이라는 개념의 출발점이 된다. 이 작품은 작가의 회화가 자연, 시간, 신체 감각을 어떻게 하나의 장면으로 응축해 가는지를 보여주는 초기 기준작이다.

Landscape in Formation is the artist’s first work in which a landscape is constructed through an automatist, point-based process. Rather than depicting a scene, the landscape emerges as a sensory field formed through the accumulation and rhythm of countless dots.

Generated through repetitive action rather than deliberate composition, this work marks the origin of considered pointillism and the concept of “flow” that later becomes central to the artist’s practice. It stands as an early reference that reveals how nature, time, and bodily sensation begin to coalesce within the artist’s pictorial language.

형성되는 풍경(Landscape in Formation)

〈생명〉은 나선형의 획들이 서로를 감싸 안으며 하나의 몸처럼, 동시에 하나의 숲처럼 자라나는 장면을 담고 있다. 화면을 가득 메운 초록, 파랑, 붉은색의 결들은 잎과 혈관, 물결과 근섬유를 동시에 떠올리게 하지만, 어느 쪽으로도 완전히 고정되지 않는다. 중심부에서 번져 나오는 붉은 덩어리는 심장이나 꽃, 혹은 갓 피어난 상처처럼 보이기도 하며, 주변의 푸른 흐름과 만나면서 맥박 치는 리듬을 만든다.

수채 물감은 마르기 전 서로 겹쳐지며 작은 타원과 고리 모양의 선묘로 분절된다. 이 반복은 특정 인물이나 풍경을 그리기 위한 수단이라기보다, 호흡과 심장 박동이 화면 위에서 시각적인 무늬로 변한 것에 가깝다. 위쪽의 밝은 노랑과 연두는 새로 돋는 잎이나 빛의 응결처럼 솟아오르고, 아래쪽으로 내려갈수록 짙어지는 파랑은 깊은 물이나 몸 안쪽의 어둠을 떠올리게 하며, 생명이 지닌 밝음과 무게를 동시에 드러낸다.

이 작품에서 몸은 더 이상 개별적인 존재가 아니라, 색과 점의 흐름 속에서 잠시 모습을 드러낸 하나의 통로에 가깝다. 관람자의 시선이 붉은 중심에서 푸른 주변, 다시 초록의 숲으로 천천히 이동하는 동안, 어디까지가 인간이고 어디서부터가 자연인지 경계는 점점 희미해진다. 화면 앞에 서 있으면, 생명은 어떤 구체적인 형상이 아니라, 끊임없이 스며들고 번져 나가며 지금도 계속 자라고 있는 하나의 상태로 느껴지도록 조용히 확장된다.

생명 (Life)

화면의 오른쪽을 가득 채운 거대한 붉은 덩어리가 하얀 여백 위로 기울어 솟아 있다. 제목처럼 ‘날개’를 떠올리게 하는 이 형태는 깃털 하나하나가 보이도록 묘사된 날개가 아니라, 수없이 겹쳐 찍힌 짧은 붓 자국들이 만들어 낸 결에 가깝다. 선홍에서 짙은 적색, 거의 검게 가라앉은 붉은빛까지 다양한 레드가 층을 이루며, 불꽃과 대지의 단층, 근육의 섬유가 한꺼번에 겹쳐진 듯한 이미지를 만든다.

가까이 다가가면 화면은 하나의 평면이 아니라 끝없이 이어지는 미세한 능선처럼 보인다. 가는 붓이 남긴 촘촘한 호들이 서로를 따라 흐르며, 어느 곳에서는 부드러운 깃털의 결로, 또 다른 곳에서는 뜨겁게 갈라진 땅의 틈으로 읽힌다. 색이 진하게 눌린 자리와 옅게 스친 자리가 반복되며, 한 번 꺼져 내려갔다가 다시 치솟는 맥박처럼 리듬을 만든다. 붉은 물감이 스며들다 멈춘 가장자리와 작은 여백들은, 타올랐다 사라지는 불꽃의 잔불이자, 마음 안 깊은 곳에서 번쩍이는 미세한 감정의 입자로 남는다.

날개의 형태는 화면 밖으로 잘려 나가 있어, 어디에서 시작해 어디로 뻗어 가는지 끝을 알 수 없다. 관람자의 시선은 자연스럽게 붉은 곡선을 따라 위로, 바깥으로 미끄러져 나가며, 이 날개가 지금 막 몸을 틀어 오르려는 순간에 있다는 느낌을 받게 된다. 바다의 물결을 닮은 결과, 대지의 단층 같은 붉은 층위가 한데 포개지면서, 이 날개는 하늘로 솟구치는 기관이자, 땅에서부터 밀어 올려진 힘의 표면으로 동시에 읽힌다.

작품 앞에 서면, 날개라는 구체적인 형상보다 먼저 몸 안쪽에서 일어나는 뜨거운 파동이 감지된다. 시선을 따라 천천히 곡선을 더듬다 보면, 이 붉은 결은 상처의 흔적이자 비상 직전의 떨림, 오래 눌러 두었던 감정이 방향을 바꾸어 밖으로 뻗어 나가려는 순간으로 겹쳐 보이기 시작한다. 관람자는 어느새 하얀 여백을 향해 열려 있는 이 날개의 가장자리에서, 스스로의 몸이 조금씩 가벼워지는 느낌과 함께, 아직 다 펴지지 않은 자기 안의 날개를 조용히 떠올리게 된다.

※ 소장 완료 (Reference Work)

날개 (Wings)

〈피어나는 상태 Emergent State〉는 짧은 터치들이 파도처럼 겹쳐지며, 하나의 존재가 숲의 안쪽에서 서서히 떠오르는 순간을 포착한 작업이다. 형광에 가까운 밝은 초록과 깊은 청록, 남색이 층을 이루어 번갈아 솟구치고 가라앉으며, 화면 전체를 촉수 같은 결로 채운다. 일정한 간격으로 반복되는 물결무늬는 잎맥이자 나뭇결처럼 보이면서도, 동시에 피부에 스치는 미세한 전류나 세포 분열의 리듬을 떠올리게 한다.

가까이 다가가면 수채 물감이 종이 위에서 번지고 마른 자국, 겹쳐진 터치들이 남긴 미세한 틈이 먼저 눈에 들어온다. 그 사이로 스며든 붉은 기운과 노란 점들은 아직 형태를 갖추지 못한 얼굴, 혹은 몸의 일부처럼 어렴풋이 드러나며, 여성적 실루엣을 연상시키는 중심부의 기운과 맞물린다. 이때 점과 선, 짧은 붓질은 구체적인 인물을 묘사하기보다, 어떤 존재가 ‘되기 직전’의 상태, 안쪽에서부터 서서히 모양을 갖춰가는 에너지를 기록하는 단위로 작동한다.

한 걸음 물러서면 촘촘한 터치들은 다시 하나의 흐름과 장면으로 수렴된다. 화면을 가로지르는 곡선의 결은 안쪽으로 말려 들어가기도 하고 바깥으로 풀려나가기도 하면서, 정지된 평면 위에 팽창과 수축의 호흡을 만든다. 관람자는 이 이미지를 숲의 깊은 층에서 피어오르는 얼굴로, 혹은 눈을 감았을 때 남는 초록빛 잔상 속에서 서서히 드러나는 자화상처럼 읽을 수 있다. 오래 바라볼수록, 보이지 않던 형상이 조금씩 또렷해지는 그 느린 과정 자체가 하나의 경험으로 남는다.

피어나는 상태(Emergent State)

〈정중동 Stillness in Motion〉은 점과 짧은 붓질이 겹겹이 쌓이며 하나의 유기적인 장면을 만들어낸 작업이다. 형체를 분명히 드러내지 않으면서도, 화면 전체에 흐르는 리듬은 숲의 단면이거나 미세한 생명체의 조직처럼 느껴진다. 선명한 형광에 가까운 노랑과 깊은 청록, 남색이 서로를 밀어내고 끌어당기며, 빛이 스며드는 층과 그늘이 응축된 층이 교차한다.

이 작업에서 점과 선은 더 이상 대상을 묘사하는 도구라기보다, 감각의 진동을 기록하는 단위에 가깝다. 일정하게 반복되는 짧은 터치는 파도처럼 굽이치며 화면을 따라 이동하고, 그 위에 흩뿌려진 점들은 순간적으로 번쩍이는 에너지의 입자처럼 떠오른다. 고요한 중심부와 주변부의 요동하는 결이 동시에 존재하면서, 정지된 한 장면 안에 미세한 움직임과 시간의 흐름이 스며든다.

관람자는 이 작업을 하나의 풍경으로 보거나, 혹은 눈을 감았을 때 남는 잔상처럼 느낄 수도 있다. 어느 쪽이든, 가까이 다가설수록 개별 점과 선의 물리적 질감이 먼저 다가오고, 한 걸음 물러서면 그것들이 하나의 흐름과 덩어리로 다시 읽힌다. 멈춰 선 채 바라보는 동안, 화면 속 느리지만 끊임없이 순환하는 리듬이 천천히 몸의 호흡과 맞물려 가는 경험을 건네는 작품이다.

정중동 1 – Stillness in Motion

〈숲의 얼굴 – 정중동 2〉는 촘촘하게 반복된 짧은 터치들이 겹겹이 포개지며 하나의 거대한 얼굴 같은 형상을 이뤄내는 작업이다. 깊은 청록과 남색, 녹색이 파동처럼 번갈아 솟구쳤다가 가라앉으며, 숲의 단면이자 동시에 보이지 않는 생명 조직의 확대된 이미지처럼 다가온다. 규칙적으로 이어지는 물결무늬는 나뭇결이자 지문, 혹은 숨을 들이쉬고 내쉬는 흉곽의 움직임처럼 읽히며, 화면 전체에 느린 호흡을 부여한다.

이 작품에서 점과 짧은 선은 특정한 대상을 묘사하기보다, 숲의 안쪽에서 느껴지는 미세한 진동과 시간의 결을 기록하는 단위로 작동한다. 진한 색이 응축된 어두운 층과 옅은 색이 스며든 밝은 층이 교차하며, 고요한 중심부와 주변부의 미묘한 요동이 동시에 존재한다. 그 사이사이에 흩뿌려진 작은 점들은 어둠 속에서 잠깐씩 번뜩이는 생명의 신호처럼 떠오르며, 정지된 장면 안에 끊임없이 순환하는 흐름을 암시한다.

관람자는 이 이미지를 숲의 얼굴로, 혹은 눈을 감았을 때 남는 초록빛 잔상으로 읽을 수 있다. 가까이 다가가면 개별 터치의 물리적 결과 수채 물감이 스며든 종이의 숨결이 먼저 다가오고, 한 걸음 물러서면 그것들이 하나의 리듬과 표정으로 수렴된다. 오래 바라볼수록 화면의 리듬이 천천히 몸의 호흡과 맞물리며, 숲의 안쪽에서 조용히 깨어나는 움직임을 함께 듣고 있는 듯한 감각을 건네는 작품이다.

숲의 얼굴 – 정중동 2 (The Face of the Forest – Stillness in Motion 2)

[ENG SUB] 〈볕뉘〉는 작가의 파도 연작에서 파생된 색과 인식의 관계를 탐구한 작품으로,
색의 이동을 통해 풍경이 감각의 상태로 전환되는 과정을 응축해 보여준다.

‘볕뉘’는 작은 틈을 통해 잠시 스며드는 햇볕을 의미한다.
작가는 이 미세한 빛을, 자신이 놓인 자리에서 점진적으로 성장하는
생명 존재의 이유이자 지속의 조건으로 바라본다.

화면 속 점묘의 붓질은 생명의 씨가 뿌려지는 과정이며,
나뭇잎 사이로 스며드는 빛의 틈은 흰 여백으로 남겨져
보이지 않는 에너지의 통로를 형성한다.
잎의 색은 녹색 대신 파도의 파란색으로 치환되어,
대상은 사물의 재현을 넘어 감각의 흐름으로 이동하고
화면은 특정 풍경이 아닌 하나의 ‘상태’로 머문다.

이 작업에서 파란색은 자연을 묘사하는 색이 아니라,
작가가 지속적으로 사용해 온
‘흐름과 생명 에너지의 색’으로 기능한다.

〈볕뉘〉는 작가의 한 시기를 응축해 보여주는 작품으로,
색과 생명에 대한 인식이 본격적으로 구축되기 시작한 지점을 드러낸다.
이후 전개되는 작업 세계 전반에서 반복되는 감각의 구조와 조형적 태도가 이 화면에서 처음 뚜렷해지며,
작가 언어의 방향을 제시하는 중요한 이정표로 자리한다.

〈Flecks of Sunlight〉 is a work that explores the relationship between color and perception, derived from the artist’s ongoing wave series. Through shifts in color, the painting condenses the process by which a landscape transforms into a sensory state.

The Korean word byeot-nui refers to sunlight that briefly seeps through a small gap. The artist regards this subtle light as both the reason for life and the condition for its continuation — a force that allows living beings to grow gradually within the place they inhabit.

The pointillist brushstrokes suggest the scattering of life’s seeds across the surface, while the gaps of light filtering between leaves are left as white spaces, forming invisible passages of energy. The color of the leaves is translated from green into the blue of waves, allowing the subject to move beyond representation and toward a flow of sensation. As a result, the image remains not as a depiction of a specific landscape, but as a single sustained state.

In this work, blue does not function as a descriptive color of nature, but as a chromatic language the artist has consistently employed to signify flow and life energy.

〈Flecks of Sunlight〉 encapsulates a defining period in the artist’s practice, revealing the moment when her perception of color and life began to take structural form. The sensory frameworks and compositional attitudes that recur throughout her later works first emerge with clarity in this painting, establishing it as a key milestone that indicates the direction of her artistic language.

볕뉘 (Flecks of Sunlight)

[ENG SUB] 점묘법의 확장을 통해 인간과 숲의 경계를 흐리며, 생명과 자연의 연결을 입체적 레이어로 구현한 작품.
Expanding pointillism, this work blurs the boundary between human and forest, materializing the connection of life and nature through layered depth.

정중동: 식물여인 (Stillness in Motion: Plant Woman)

수평으로 길게 누운 산의 실루엣 안쪽을, 수없이 많은 붉은 선과 점이 메우고 있다. 가까이 다가가면 덩어리였던 붉은 산이 잘게 쪼개져, 서로 얽히고 흐르는 작은 방울과 타원형의 틈들로 분해된다. 이 유기적인 형들은 혈관을 따라 흐르는 피처럼 한 방향으로만 움직이지 않고, 오르막과 내리막을 타고, 골짜기를 돌아 나가며, 마치 살아 있는 거대한 몸의 안쪽을 보여 주는 것 같다.

진홍, 주홍, 분홍, 주황이 겹겹이 쌓인 사이사이로 노랑과 연보라, 옅은 파랑이 스며들어 있다. 강렬한 붉은 색이 고통과 상처의 기억을 떠올리게 한다면, 그 사이로 번지는 밝은 색들은 그 상처를 통과해 나오는 숨과 온기를 닮아 있다. 종이의 흰 여백은 피가 지나간 자리이자 아직 채워지지 않은 가능성처럼 남아, 산 전체를 하나의 거대한 모세혈관망으로 만든다.

멀리서 보면 이 이미지는 추상적인 패턴이자 풍경이 되고, 조금 더 바라보면 ‘가시나무’에서 떠올렸던 모세혈관의 나선과, 피가 곧 생명이라는 고백이 겹쳐진다. 산이라는 외부의 자연과 몸 안의 혈관이 하나의 형상으로 겹쳐지면서, 내가 딛고 선 땅과 내 안을 흐르는 생명이 같은 근원에서 이어져 있다는 감각이 조용히 올라온다.

관람자는 이 붉은 산 앞에서 실제의 지형을 찾기보다, 자신 안에 남아 있는 상처와 회복의 기억을 떠올리게 된다. 눈으로는 풍경을 보고 있지만, 마음은 어느새 자신의 몸 안을 들여다보듯 이 모세혈관 사이를 천천히 걸어 다니게 되고, 산을 이루는 수많은 작은 선들 사이에서 자신에게도 흐르고 있는 생명의 리듬을 한 번 더 느껴 보게 된다.

산의 모세혈관 (Capillaries of the Mountain)

[ENG SUB] “처음 꺼낸 꿈, 그림으로 피어나다”

설익은 밥이 서서히 익어가듯, 처음 꺼낸 꿈은 작고 여리지만, 언젠가는 그 결실이 창대해질 것이다. 어른이 되며 겪는 아픔과 포기해야 하는 것들, 이상과 맞지 않는 현실 속에서도, 종이에 그린 꿈은 글로, 그리고 말로 옮겨지며 마침내 그림 속에서 활짝 피어났다.

꽃이 제각기 피어나는 시기가 다르듯, 이 작품을 보는 모든 이가 자신만의 색으로 활짝 피어나길 바라는 마음으로 그렸다.

왼손으로 볼펜을 잡고, 오른손으로 색을 입히는 독특한 이중 손 기법을 통해, 꽃을 식물과 동물의 모세혈관을 연상시키는 추상적 형태로 표현하였다. 작가의 첫 ‘피어나다(Bloom)’ 시리즈로 탄생한 작품으로, 여린 꿈이 생생하게 피어나는 순간을 담았다.

“A First Dream Blossomed Through Painting”

Like undercooked rice gradually coming to life, a first dream may begin small and fragile, yet its fruition holds the promise of greatness. Amid the struggles of growing up and the compromises between ideals and reality, the dreams once drawn on paper were translated into words, then spoken aloud, ultimately blossoming into life.

Just as flowers bloom in their own time, this work is created with the hope that each viewer will flourish in their own unique colors.

Executed using a distinctive dual-hand technique — drawing with the left hand and coloring with the right — the flowers are abstractly rendered, echoing the delicate vascular structures of both plants and animals. This piece marks the debut of the artist’s ‘Bloom’ series, capturing the fragile yet vibrant emergence of a dream.

피어나다 I (In Bloom I)

[ENG SUB]〈나무(Tree)〉는 두 개의 거대한 녹색 덩어리를 통해 나무를 살아 있는 에너지의 집합으로 보여주는 작품으로, 작가가 점묘법을 처음 시도한 작품입니다. 왼쪽 나무는 황갈색과 올리브가 섞여 오래된 수피와 그늘을 떠올리게 하고, 오른쪽 나무는 선명한 에메랄드와 청록으로 젊고 촘촘한 성장을 드러냅니다. 수천 개의 작은 점과 붓질이 겹쳐 수관의 부피와 안쪽 층위를 암시하며, 시선을 따라 움직이면 나무와 관람객의 호흡이 같은 리듬으로 맞닿는 듯한 경험을 제공합니다.

작가 소장

“Tree” presents two massive green forms as a living collection of energy and is the artist’s first experiment with pointillism. The left tree blends ochre and olive, evoking old bark and shadow, while the right tree spreads emerald and teal, showing youthful, dense growth. Thousands of small dots and brushstrokes suggest the canopy’s volume and hidden layers. Following the visual rhythm, viewers can sense their breath aligning with that of the trees.

Artist’s Collection


나무 (Tree)

〈방의 잔상〉: 고립된 방에서 피어난 생존의 기록

〈방의 잔상〉 시리즈는 대학 시절 겪었던 극심한 신체적 고통과 정신적 번아웃 속에서 만들어진 자기 치유의 기록이다. 작가는 매트리스에 누워 하루를 버티며, 창밖에서 들어오는 빛과 라디오 너머의 소리에 의지해 조금씩 삶의 감각을 회복해갔다.

당시 방 안의 장롱과 이불 그림자는 커다란 동굴이나 살아 있는 살덩이처럼 느껴질 만큼 두렵게 다가왔다. 다시는 일어날 수 없을 것 같던 시간 속에서도, 작가는 벽에 세계지도와 우리나라 지도를 붙이며 언젠가 다시 세상으로 나아갈 미래를 상상했다.

특히 초기 작품인 〈방의 잔상 I〉에서는 볼펜 선묘 특유의 날카롭고 예민한 감각이 드러난다. 이는 현재 작가 작업의 중심인 ‘수행적 점묘’와 ‘생명력의 축적’이 어디에서 시작되었는지를 보여주는 중요한 출발점이 된다. 지금은 따뜻한 기억으로 남은 방도, 당시에는 공포와 고립이 스며든 공간이었다. 같은 장소라도 인간의 감각과 기억에 따라 전혀 다른 풍경으로 남을 수 있음을 보여준다.

〈Afterimage of the Room〉: A Record of Survival in Isolation

Afterimage of the Room is a series created during the artist’s college years, when she was suffering from severe physical pain and mental burnout. It is a personal record of healing and survival. Lying on a mattress for long periods of time, the artist slowly regained a sense of life through the light coming from the window and the sounds of the radio.

At that time, the shadows of the wardrobe and blankets in the room felt frightening, like a dark cave or a living mass of flesh. Even during days that felt impossible to escape, the artist placed maps of Korea and the world on the wall, imagining a future in which she could one day return to the outside world.

Especially in the early work 〈Afterimage of the Room I〉, the sharp and sensitive quality of the artist’s ballpoint pen drawing stands out. The work reveals the starting point of the artist’s current practice, rooted in “performative stippling” and the accumulation of vitality. A room that now remains as a warm memory was once filled with fear and isolation. The series suggests that even the same place can become a completely different landscape depending on one’s memories and state of mind.


방의 잔상 I (Afterimage of a Room I)

쪼개진 자화상을 퍼즐처럼 분절해 왼손의 볼펜 드로잉과 오른손의 선묘, 혼합재료로 다시 이어 붙였다.
이미지 옆에는 관객이 ‘무엇이 보이는지’를 직접 기록하는 설문지가 놓인다.
작가의 의도와 무관하게, 관객은 각자의 기억과 경험에 기대어 이미지를 해석한다.
이 작업은 ‘보는 행위’가 얼마나 주관적인가를 드러내며, 자화상이 타인의 시선 속에서 끊임없이 재구성되는 과정을 탐구한다.

What You See presents a fragmented self-portrait, reassembled like a puzzle through ballpoint pen drawings made with the left hand and linear drawings created with the right, combined with mixed media.
Beside the image, viewers are invited to write what they see.
Regardless of the artist’s intention, the work is completed through the viewer’s own memories and experiences, revealing the inherent subjectivity of perception and exploring how a self-portrait is continuously reconstructed through the gaze of others.

보이는 것 (What You See)

둘리뮤지엄에서 개최된 호이호이생활만화 도서원화전에 ‘향설 김현지 작가’로 참여하여, 작품집 〈물의 음〉과 디지털 프린팅 작품을 전시함.

호호호전

미얀마 지원을 위한 모금전으로 진행된 공모 작가 선정 전시에 참여함.

아! 미얀마

서울시 캠퍼스타운사업 주최  공모 선정 작가 아트페어.

모두의 컬렉션 아트페어

예상보다 일찍 찾아와 우리 곁에 오래 머물렀던 무더위가 이제 한 겹씩 벗겨지고 있다.
여름은 끝나가지만, 우리의 여름 이야기는 아직도 뜨겁다.

쨍쨍한 햇빛과 뭉게구름, 온 땅을 두드리던 소나기와 비 온 뒤 퍼지는 진한 흙내음,
송글송글 맺힌 땀방울까지—
수많은 ‘여름’의 장면들이 모여 하나의 이야기가 된다.

‘여름’이라 하면 누구나 마음속에 떠올리는 순간 하나쯤은 있을 것이다.
이 전시는 각자의 기억 속에 남아 있는 뜨거웠던 여름의 감각을 꺼내어,
함께 나누고 되새기는 자리다.

우리의 여름

0.38mm 볼펜 선이 만드는 거대한 집적, 7개월의 시간이 빚어낸 빛의 기록을 선보입니다.

• 전시 개요: 2026년 5월 13일부터 18일까지 인사동 마루아트센터에서 개최되는 이번 전시는 볼펜이라는 일상적 재료를 통해 풍경의 본질을 탐구합니다.

• 작가의 시선: "반복적인 볼펜 선은 단순한 묘사를 넘어 작가의 신체적 한계를 통과하는 수행적 과정입니다."

• 대표작 소개: 7개월간의 집요한 작업으로 완성된 <선유도, 새벽의 빛>을 비롯해, 칠흑 같은 어둠에서 빛으로 나아가는 찰나의 기록들을 만나보실 수 있습니다.

• 관람 포인트: 평범한 재료인 볼펜이 어떻게 '언어'가 되어 섬세한 질감 을 만들어내는지 근거리에서 감상해 보시길 추천합니다.

• 장소: 마루아트센터 본관 3층 그랜드관 (서울 종로구 인사동길 35-4)
• 기간: 2026. 05. 13. ~ 05. 18.
• 운영 시간: 10:30 – 18:30

#볼펜화 #수행적미술 #인사동전시 #재료의언어 #현대미술

재료의 언어: 볼펜으로 쌓아 올린 수행적 풍경

영등포문화재단 초대로 마련된 <영등포아트큐브>에서 2006년작 <피어나다 1>부터 2022년작 <선유도, 새벽의 빛>을 한자리에 선보였습니다.가느다란 펜 끝에서 시작된 선들은 지난 20년간 화면 위에서 중첩되며 고유한 생명력을 구축해 왔습니다. 초기작의 집요한 필치가 시간의 흐름에 따라 어떻게 유동적인 '나선'과 '파도'로 진화했는지 보여주는 지표이자, 소재를 넘어 선(Line) 자체의 에너지를 탐구해온 기록입니다.          At the , hosted by the Yeongdeungpo Cultural Foundation, I presented a selection of works ranging from  (2006) to  (2022).Over the past two decades, the lines originating from the fine tip of a pen have overlapped on the canvas to construct a unique vitality. This exhibition serves as an indicator of how the tenacious brushwork of my early years has evolved into fluid 'Spirals' and 'Waves,' documenting a long-term exploration of the energy within the 'Line' itself.

2026 영등포 여의도 봄꽃 축제 아트큐브 

아트니스 2026 새해선물 기획전.

2026새해선물기획전

제33회 대한민국기독교미술대전 공모 작가 선정 전시 (입선)

제33회 대한민국기독교미술대전

🎨✨ 2026년 제2회 CONNECTED SOUL 展
Section 1. 어려움의 과정 展

"예술가는 어떻게 창작물을 만들어낼까?" 🤔

전시장에서 작품을 보며 '이 작품은 어떤 고민을 거쳐 만들어졌을까?' 궁금했던 적 없으시나요? 🖌️

신진 예술가 10인이 작품을 완성하기까지 마주한 수많은 선택과 창작의 흔적들. 평소 쉽게 볼 수 없었던 예술의 이면을 이번 특별한 전시에서 만나보세요! ✨

🌱 참여작가
이목, 담, 박초연, 소밀, 김창우, 신윤정, 한솔, 향설 김현지, 은유, 한가윤

📅 전시 기간

2026년 6월 20일 ~ 7월 20일

오전 11시 ~ 오후 8시

🚫 휴관일: 매주 월요일, 화요일

📍 전시 장소

BS 갤러리 (서울시 은평구 연서로14길 17 지하)

🎟️ 관람 안내
완성작 뒤에 숨겨진 청년 작가들의 수많은 고민과 노력, 그 창작의 이야기가 궁금하다면 지금 「어려움의 과정 展」에 방문해보세요. 💫

(본 전시는 청년지원공동체 소울에서 주관하고 서울특별시에서 후원합니다.)

2026년 제2회 CONNECTED SOUL 展 Section 1. 어려움의 과정 展

아트바겐(Art Bargain)은 대형 쇼핑몰 공간에서 진행되는 아트페어로, 누구나 쉽게 미술품을 감상하고 합리적인 가격으로 구매할 수 있도록 기획된 전시입니다. 일상 공간 속에서 자연스럽게 예술을 경험할 수 있는 새로운 문화 소비의 장을 제공합니다.

누구나 예술을 향유하고 소장할 수 있는 열린 미술시장 「아트바겐(Art Bargain)」을 다음과 같이 개최합니다. 많은 관심과 참여 바랍니다.

 

I. 전시 특징

ㅁ- 국내외 작가 500여 명, 미술품 2,000여 점이 10만 원대부터 500만 원까지 구성되어 누구나

ㅁ- 부담 없이 미술품을 소장할 수 있는 미술시장

ㅁ- 감상과 소비가 동시에 이루어지는 경험형 전시로, 나만의 취향을 만들어 갈 수 있는 미술품 컬렉팅

 

II. 전시 컨셉

ㅁ“일상에서 미술품을 감상하고 합리적인 구매가 이루어지는 아트페어”

 

III. 전시 개요

ㅁ1. 전시명: Art Bargain 2026

ㅁ2. 전시장소: 서울 송파구 중대로 80, 2층 엠아트센터(롯데마트 송파점)

ㅁ3. 전시기간: 1부 - 2026.6.17.(수) - 6.21(일), (5일간)

ㅁ3. 전시기간: 2부 - 2026.6.23.(화) - 6.27(토), (5일간)

ㅁ4. 부대행사 : - 미술품 서면 경매 방식 판매관 운영 1, 2부(50% 할인가 시작)

ㅁ4. 부대행사 : - 초보 컬렉터를 위한 미술품 투자 강의 총 4회

ㅁ5. 주최 : ㈜아트앤브릿지, 미술로㈜

ㅁ6. 주관 : ‘Art Bargain’ 운영위원회, 엠아트센터

ㅁ7. 후원.협찬(예정)

ㅁㅁ: ㈜롯데쇼핑, 경향신문, CBS M&C, 소셜밸류, 한모기술㈜, 팔라스파트너스, ㈜비트

ㅁㅁ: ㈜이레머티리얼스, ㈜유디바이오, ㈜지텔글로벌, ㈜메인스트리트벤쳐스, ㈜가미 코스메틱

ㅁㅁ: 그림샘아트센터, 미술과비평, PG벤처스, ㈜휴고 다이나믹스, 월간아트, ㈜준아트피아

ㅁㅁ: ㈜인터바스, (재)한국색채문화진흥재단, (사)지아트, 디자인아띠그래픽, 아트타임즈엠, 윤화방

아트바겐(Art Bargain)

베일에 싸인 고백을 마주하는 시간, 《고해성사》

괜찮지 않은 날, 혼자 감당하기 힘들었던 마음이 있다면 은평구 BS갤러리로 오세요.

이번 전시에서 작가가 꺼내놓을 미디어·설치 작품과 개인적인 고백은 끝까지 베일에 가려집니다. 궁금증을 가득 안고 오셔서 직접 작품을 확인하고, 전시장 속 고해성사 공간에서 마음의 근심을 털어내 보세요.

서울특별시 후원, 청년지원공동체 소울 주관으로 진행되는 공익 전시로, 여러분의 마음을 가볍게 채워드릴 치유의 시간이 될 것입니다.

📍 전시 정보

전시명: 제2회 CONNECTED SOUL 展 : Section 2. 《고해성사》

기간: 2026. 08. 03 – 09. 03

관람 시간: 11:00 – 20:00 (매주 월·화요일 휴관)

장소: BS갤러리 (서울시 은평구 연서로14길 17, B1층)

참여 프로그램: 관람객 참여형 고해성사 프로그램 (고백 쓰기/그리기, 비움과 해소의 경험)

후원/주관: 서울특별시 후원 / 청년지원공동체 소울 주관